Rachel Rosalen & Rafael Marchetti

Is a performance in which the audience directly takes part in the audiovisual creation, through a web application for smartphones created by the artists. The public becomes part of the collective intervention.

By accessing the web application on their phones, the audience is directly connected with the performance, experiencing individually and collectively the real-time audiovisual composition projected onto the Oi Futuro Cultural Center’s facade.

Rachel Rosalen & Rafael Marchetti
É uma plataforma onde o público interage diretamente na criação audiovisual através da aplicação web para celulares smartphones. O público, que acessa a aplicação web, é convidado a escrever palavras-chave. Estas palavras-chave são utilizadas pela plataforma para buscar na internet, em tempo real, imagens relativas às palavras. Além de enviar as palavras-chave, o público pode interagir com suas próprias imagens utilizando o recurso do touch-screen do smarthphone, tornando-se assim, parte de uma intervenção coletiva.

Rachel Rosalen & Rafael Marchetti

HISTÓRICO

A primeira implantação de Territórios Complexos foi criada em 2007, como instalação site-specific, na galeria do SESC Avenida Paulista. A avenida Paulista conta com 22 helipontos, com um movimento de 100 aterrissagens diárias, 44 antenas de telecomunicações, 1.5 milhões de transeuntes, 100 mil veículos e 200 mil habitantes/dia. Sobre este território foram realizados mapeamentos da região combinando diversos dispositivos de captura de informação para obter uma base de dados audio-visuais.

BUENOS AIRES
A sala é desenhada como um caleidoscópio assimétrico com dois projetores e o restante das paredes são cobertas de espelhos, criando uma multiplicidade polifônica, descontínua e imanente que responde a situações urbanas complexas. O espaço combina dinamicamente dois fatores principais de interação: local e remota. O espaço recebe o som em tempo real da região da Avenida Paulista via Internet, influenciando no ritmo do paisagem projetada no espaço. Dois sensores ultra-som fazem a regulação de escalas e trabalham de acordo com a distância que o público está em relação a eles. Quanto mais próximo, o nível de informação revelada é mais abstrata, como os dados puros do GPS, quanto mais longe, mais visíveis se tornam as coordenadas geográficas da Avenida Paulista.

OBSERVAÇÃO: Para a exposição no Espacio Fundación Telefónica, Buenos Aires, a implementação do microfone em São Paulo foi uma colaboração entre o SESC Av. Paulista e os artistas.

++ http://www.2334s4639w.net/
++ http://www.espaçoft.org.ar/videos/Geografias/Entrevistas/territorios%20complexos.wmv
++ http://www.espacioft.org.ar/videos/Geografias/geografiacelular2.wmv

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2010_Espacio Fundación Telefónica, Buenos Aires, Argentina
2009_Bains:Connective, Bruxelas, Bélgica
2008_ DIY Festival, Zurique, Suiça
2008_Plugin, Basel, Suiça
2007_ Circulações, Sesc Art Exhibition, Sesc Paulista Art Gallery

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A primeira implantação de Territórios Complexos foi produzida pela Mostra SESC de Artes – Circulações.

Rachel Rosalen & Rafael Marchetti

HISTORICAL

The first implantation of Territories Complexity was in 2007, as a site-specific installation at SESC Paulista Art Gallery. Paulista Avenue is 2.8 Km long and has a conglomeration of skyscrapers holding public and private administration responsible for 46% Brazilian GDP. Paulista Ave. has 22 heliports, 40 telecommunication antennas, the flux of 1.5 million people, 100 thousand vehicles and 100 helicopter takeoffs per day. Based on this information, this economical area was mapped using different capturing devices and stored in an audio-visual database.

BUENOS AIRES

The space was designed to be an asymmetric kaleidoscopic formed by two projections and mirrored panels, creating a polyphonic multiplicity, discontinued and immanent, which represents complex urban situations. The space combines dynamically two different ways of interacting: local and remote. Locally, two ultra-sound sensors regulate the scales of GPS information reading the distance between the interactor and the interface. If the interactor is close to the interface, the information level revealed is more abstract, as the pure GPS data, if the interactor is further, it’s possible to see the geographic coordinate of Paulista Avenue. The remote interaction consists in getting the Paulista Avenue sound in real time using the Internet, which influences the rhythm of the projected landscape in the space.

COMMENTS: for the exhibition at Espacio Fundación Telefónica, Buenos Aires, the implementation of the microphone in São Paulo was a collaboration between SESC Paulista Ave. and the artists.

++ http://www.2334s4639w.net/
++ http://www.espaçoft.org.ar/videos/Geografias/Entrevistas/territorios%20complexos.wmv
++ http://www.espacioft.org.ar/videos/Geografias/geografiacelular2.wmv

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2010_Espacio Fundación Telefónica, Buenos Aires, Argentina

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The first implantation of Territories Complexity 2334s 4639w was sponsored by SESC Art Exhibition

An old medical closed which 3 glass faces having many burned sand books inside and a 7″ monitor. On this monitor a performance made for the camera on the paradigmatic Brecht’s text ‘ Fatzer Fragments’ in German.

This project is about the memory destruction through the books and the cultural production represented on these books and about the terrifying fact that this burning act happens again and again in human history.

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2007_ São Paulo International Art Fair, SP-Arte, São Paulo, Brazil

Werkraum Warteck PP é um projeto coletivo que teve início nos meados da década de 90 baseado em experiências de ocupação (squat) e outros espaços colaborativos na Europa e na Suiça. Mais de 40 projetos em diferentes estúdios compartem conceitos como coabitação, colaboração, coletivo, espaço aberto, renovação, responsabilidade, intercâmbio, preservação de patrimônio, política em um espaço permanentemente aberto e provisório. Esta situação cria uma nuvem de conceitos em torno da Werkraum Warteck PP e um permanente fluxo de eventos. Werkraum Warteck PP é um projeto criativo, um forte atrator localizado em uma antiga fábrica de cerveja em Basel.

A construção de uma nuvem de tags conceituais relacionadas gera uma estrutura para um horizonte de eventos que tem a Warteck como atrator e que pode ser modificado pela intervenção dos usuários.

Com 68 palavras-chave (tags) relacionadas a 487 fragmentos de vídeo, um banco de dados foi organizado para gerar a navegação através de uma nuvem semântica a ser visualizada como uma narrativa não linear contínua, sempre diferente de acordo com as palavras-chave (tags) escolhidas pelo público.

Vinte e três entrevistas foram realizadas com pessoas da casa para abordar temas como o projeto Warteck, os projetos desenvolvidos dentro da Warteck, sobre amor e sobre política – seriam amor e política conceitos distintos? É o amor um modo de fazer política? O que se entende por ‘amor’ e que cada um entende através desta palavra? Uma posição política para lidar com o mundo externo ou uma emoção para se desconectar de tudo? Como pessoas diferentes chegaram a Warteck e como se relacionam com este projeto? É um espaço para viver ou para trabalhar? Existe alguma utopia envolvida no modo de ver e viver este projeto?

‘about love and other politics’ é um vídeo documento dinâmico, mas não é um documentário.

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2009_ open studio Gäestatelier Werkraum Warteck PP, Basel, Suiça

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curatora: MARTINA SIEGWOLF

colaboração na edição das palavras-chave e revisão dos textos escritos em inglês: ILSE ERMEN
agradecimentos especiais: MAURITS DE WIJS, SANDRA SUHR e todas as pessoas desta casa.

apoio:
Gäestatelier Werkraum Warteck PP

Para lembrar precisamos esquecer?

Post Diaries é um projeto sobre memória e desaparecimento baseado em imagens, fragmentos de textos, pequenas apropriações relacionadas a um Japão imaginário desde a perspectiva de um primeiro olhar de fora, só possível nos primeiros momentos de imersão em uma outra cultura. A consideração da passagem do tempo foi necessária para elaborar este diários sem a qual não seria possível a perda de nitidez que permite a livre recriação destes fragmentos de vídeo, desvinculando-os da necessidade de registrar uma situação. Claro está que um diário não tem o compromisso de um documentário, muito embora descreva experiências cotidianos. A retomada deste material cinco anos depois de sua gravação propositadamente torna esta situação impossível. O desaparecimento, a fragmentação, o apagamento e a mescla desta memórias torna-se inevitável.

Mas que é exatamente a paisagem da memória se não a combinação de fragmentos de experiências deformados pela passagem do tempo e sempre sobrepostos por sempre por muitas e diversas camadas?

Post diaries recria estas paisagens e propõe através de um sobrevôo por todo esta material e uma edição centrada em pequenos núcleos narrativos a 4 mãos como estratégia para manter viva a memória. Propõe uma discussão sobre o efeito da passagem do tempo sobre nossas memórias, os efeitos da reconstrução da realidade diária e massivamente através da media e seus efeitos na construção destas paisagens assim como debate a idealização de duração de memórias e medias.

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2008, Victoria Theater, In Between You and Me, Malmö, Suécia

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2008, Malmö, Suécia/ 2005~2003 Tokyo, Kyoto, Okinawa, Fujiyama, Japão

video: 14:58 minutos

In order to remember, do we need to forget?

The project post diaries is about memory and disappearance. Based on images, texts fragments, short appropriations, an imaginary invention about Japan under a fresh foreigner way to look at this country on the very early moments spent in there. Time passing was necessary to elaborate these diaries in order to loose the sharpness and to recreate these recordings freely from the necessity imposed by the daily notes to be transparent and to describe a situation. Of course a diary hasn’t the compromise to became a documentary, but it should have some correspondence with the daily experiences. But five years later to write this situation becomes impossible. The disappearance, the deleting, the miscellaneous and the fragmentation of this memories are inevitable. Images became frozen into many tapes loosing their colors into a very smooth time fog. Overwrite this remembering remakes them alive. And what is exactly a memory landscape but a mental combination of experiences’ fragments deformed by the time passing of and always overlapped by another ones?

Post diaries is based on these landscaped and proposes these recordings recreation in order to keep this shared experienced alive. It also proposes a discussion about the time passing effects on our memory. Post diaries opens a discussion on media intense, daily and massively reconstruction of reality effects on our memories and about the created fiction of keeping alive media and memories.

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2008, Victoria Theater, In Between You and Me, Malmö, Sweden

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2008, Malmö, Sweden/ 2005~2003 Tokyo, Kyoto, Okinawa, Fujiyama, Japan

video: 14:58 minutos

Werkraum Warteck PP is a collective project that came up in the middle of the 90′s, based on the experiences of squats and other collaborative spaces in Europe and in Switzerland. More than 40 projects in different studios share concepts around cohabitation, collaboration, collective, contamination, process, open space, renovation, responsibility, exchange, heritage, politics in a permanent provisory open minded project. This situation creates a cloud of concepts around Warteck and an on going flux of events. Werkraum Warteck PP is a creative project, a strong attractor, located in a former beer brewery in Basel.

‘about love and other politics’ is a tagged interview based database project started in 2007 in Werkraum Warteck PP.  The construction of a related concept-tag cloud builds up a structure for an event horizon with Warteck as the attractor which can be modified by the users’ interventions. About 487 tagged fragments of video statements were organized to be played as a continuous non-linear narrative, always different according to the tags chosen by the public.

23 interviews with people in the house were realized to talk about their personal work, Warteck itself, about Love and about Politics – are there distinct concepts? Is Love a way to deal with politics? What is understood as ‘Love’ or what does a person understand by this term? A political position to deal with the world around or an emotion to get out of everything? How did the different people drop into this place and what is their attitude towards it? Is it a working/sleeping place or is there a kind of utopia?

‘about love and other politics’ is a dynamic video document,
but it’s not a documentary.

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2009_ open studio Gäestatelier Werkraum Warteck PP, Basel, Switzerland

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curator: MARTINA SIEGWOLF

collaboration on editing key words and to revise texts written in English: ILSE ERMEN
our special thanks to: MAURITS DE WIJS, SANDRA SUHR and all the people in this house.

supported by
Gäestatelier Werkraum Warteck PP

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2006, New York, EUA
2 minutos/ loop

# 07 ESSAYS ON CRUELTY is based on a research on wars mediated images and the pathologic disease that creates this violence – pure perversion, thirst for power and cruelty. Alice was chosen to talk about the human stupidity and greediness. Inspired by the text of Lewis Carroll, a female character cross this war scenario to discuss the relations of power,  banality and mediatization of evil and the imaginary that supports this cruel and no-sense situation.

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2008, TEMPORADA DE PROJETOS, PAÇO DAS ARTES, SÃO PAULO, BRASIL

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project, direction, research, edition, posproduction and Alice’s performance in studio: RACHEL ROSALEN
music: THOMAS ROHRER [rabeca and sax] and ANTONIO PANDA GIANFRATTI [contemporary percussion]
costume designer: SAMUEL CIRNANSKI
lighting and camera: GIACOMO FAVRETTO
special thanks: ARLINDO MACHADO, PRISCILA ARANTES, RAFAEL MARCHETTI and SUPER-DELUXE TOKYO.

#07 ENSAIOS SOBRE A CRUELDADE está baseado  em um levantamento de imagens da mídia e na pesquisa sobre o núcleo patológico que gera esta violência – pura perversão, sede de poder e crueldade. Para tratar da estupidez e mesquinhez humana, foi escolhida a personagem Alice. Inspirada nos texto de Lewis Carrol, uma personagem feminina atravessa este cenário de guerra e discute as relações entre poder, mídiatização e banalização do mal e o imaginário que os sustentam.

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2008, TEMPORADA DE PROJETOS, PAÇO DAS ARTES, SÃO PAULO, BRASIL

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projeto, direção, pesquisa, edição, finalização e performance da Alice em estúdio: RACHEL ROSALEN
música: THOMAS ROHRER [rabeca preparada e saxofone] e ANTONIO PANDA GIANFRATTI [percussão contemporânea]
figurino da Alice: SAMUEL CIRNANSK
luz e câmera: GIACOMO FAVRETTO
agradecimentos: ARLINDO MACHADO, PRISCILA ARANTES, RAFAEL MARCHETTI e SUPER-DELUXE TOKYO.

Fluorescências está proposto como um recorte que exibe exatamente aquilo que jamais seria mostrado pela mass midia em público em uma escala avassaladora. Assim, leva esta situação ao próprio limite, inverte o jogo, mostra a perversidade dominante nas relações nas grandes metrópoles contemporâneas, coloca o espectador em questão e sugere uma outra navegação no sentido da vida.

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2008_ VIDEOZONE – 4 – INTERNATIONAL VIDEO ART BIENNIAL, CENTER FOR CONTEMPORARY ART, TEL AVIV, ISRAEL

2008 _ FESTIVAL INTERNACIONAL DE LA IMAGEN DE MEDELLÍN, MUSEO DE ARTE MODERNO, MEDELLÍN, COLOMBIA

2006 _ URBANLANDSCAPES NO.1, KUNSTRAUM WALCHETURN, ZURICH, SUIÇA

2006 _ CENTRE GEORGES POMPIDOU PREVIEW 2006, PARIS, FRANÇA

2005 _ SEMANA DE ARTE, NASSAU UNIVERSITY, NOVA YORK, EUA

2005 _ CENTRE WALLONIE BRUXELLES, PARIS, FRANÇA

2005 _ PARIS UNIVERSITY, PARIS, FRANÇA

2005 _ ÉCOLE DE BEAUX ARTS, PARIS, FRANÇA

2005 _ COMPAGNIE, MARSEILLES, FRANÇA

2004 – RED CUBE, TOKYO, JAPÃO

2004 – A-I-T, TOKYO, JAPÃO

2004 _ IMAGE FORUM, TOKYO, JAPÃO

2004 _ INSTITUTO ITAÚ CULTURAL, SÃO PAULO, BRASIL

2004 _ ATA ALTA TECNOLOGIA ANDINA, LIMA, PERU

2004 _ MALBA, BUENOS AIRES, ARGENTINA

2003 _ GALERIA EL ALEPH, ROMA, ITALY

2003_ VIDEOBRASIL, MADE IN BRAZIL – 3 DÉCADAS DO VÍDEO BRASILEIRO, SESC POMPÉIA, SÃO PAULO, BRASIL

2002 _ CENTRO CULTURAL DO BANCO DO BRASIL, SÃO PAULO, BRASIL

2002 _ GOETHE INSTITUTE, SÃO PAULO, BRASIL

2002 _ AGORA, RIO DE JANEIRO, BRASIL

2002 _ TRANSFORMARTE, MILÃO, ITALIA

2002 _ CASA DAS ROSAS, SÃO PAULO, BRASIL

2002 _ MUSEU DE ARTE CONTEMPORÂNEA DE LOS ANGELES, EUA

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2001, São Paulo, Brasil
10 minutos

direção, criação e roteiro: RACHEL ROSALEN
assistência de direção e produção: ANDRÉA PASQUINI
formato de captura: 16MM
formato de exibição: BETA DIGITAL/ DV
película: DIGITAL FILMES/ SÉRGIO MARTINELLI
fotografia: HÉLCIO ‘ ALEMÃO’ NAGAMINE
primeiro assistente: EDUARDO DE ANDREA – KIKO
segundos assistentes: ÉRIK MAMMOCCIO e REGIS MAXIMILLIAN
telecinagem: MÁRCIO PASQUALINO
edição: EDU GEHRKE / VIDECOM
finalização: ROBSON SARTORI/ ESPAÇO DIGITAL
composição de letreiros: RENATO FRANÇA/ ESPAÇO DIGITAL
música: WILSON SUKORSKI
apoio: ESPAÇO DIGITAL, DIGITAL FILMES, VIDECOM, ESTÚDIOS MEGA, FALLMS FILMS e JKL CINEMATOGRÁFICA.

Doorstep by doorstep, the author presents her view of a mutating territory, where discontinued, asymmetrical, paradoxical forms give life to an unstable landscape that takes the place of the traditional Euclidian architecture.   Among these events, where space is the visible form of time and time is the visible form of space, the deletion of the body may be the most disturbing aspect.

It is true that having a new view, being a new view, requires inside us a fully acceptance of the changes in modern conditions. But, above all, realizing that, of this view, we are not more capable. Feeling from the inside has been externalized, it is no longer born from an inside action. Feeling from the outside is, in turn, this making naked, strangled and kidnapped, trough what we relate ourselves into the world of life. Thus, shapes, objects, figures, are gathered in mutating constellations that create dull refractions, eluding the tamed vision of the things we are used to seeing, which goes beyond the originary sphere that had them created in a progressive process of decontextualization, devoid of memory, in cognizable, and, therefore, greatly fascinating. But, beware! The condition we are talking about may not only be referred to the human being. Dislocated and labyrinthical is our present at its every turn. The desire that moves towards immateriality and no longer towards the ‘thing’ shows the presence of censorship. The body itself is no longer the root, the specific location of feeling, of the sensitive intensity. It appears now like an inorganic territory, a steam of mutations: a closed space where each experience is corrected of its own meaning. How immensely distant from the perception and experience described by phenomenology!
Between the experience and the bodies interlace the mediation, the virtualization, the desobjectification of relationships, within an amazing process of disappearance and modification. Deprived from the soul, from the ability to feel and feed their own desires, these bodies no longer remember the bubbling masses in the cities during the first half of 19th century, but the unstable and nomad biopolitics of unknown urban landscapes.

This short film has a focus on São Paulo but refers to these big contemporary metropolis situations. The images were filmed (16mm) from a variety of studied and chosen locations in São Paulo. The work consider the city as body to which we’re all referred in a mortified relation. Nobody escapes from the scale and from an urban environment living in a metropolis. Behind a skin covered by publicity outdoors that brings erotic contents close to the pornography latency limit, from a city of big skyscrapers covered by mirrors and designed by a heavy and slow flow remains the image of a body exposed to the Other’s desire. It’s allowed showing any extreme violent or half-naked women images. But, what is not allowed to be showed? The image of an erect man or sexual act, defining, that way, what is believed to be a urban structural taboo.  Fluorescências is proposed as a cut in that system, a puncture in a blister, a cut that exhibits exactly what would never be showed in public in a gigantic scale. There for: takes the situation to its own limit, inverts the game, shows the dominant perversity in big contemporary metropolis relations, puts the spectator in question and suggests another sailing in the meaning of life.

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2008_ VIDEOZONE – 4 – INTERNATIONAL VIDEO ART BIENNIAL, CENTER FOR CONTEMPORARY ART, TEL AVIV, ISRAEL
2008 _ FESTIVAL INTERNACIONAL DE LA IMAGEN DE MEDELLÍN, MUSEO DE ARTE MODERNO, MEDELLÍN, COLÔMBIA
2006 _ URBANLANDSCAPES NO.1, KUNSTRAUM WALCHETURN, ZURICH, SWISS
2006 _ CENTRE GEORGES POMPIDOU PREVIEW 2006, PARIS, FRANCE
2005 _ ART WEEK, NASSAU UNIVERSITY, NEW YORK, EUA
2005 _ CENTRE WALLONIE BRUXELLES, PARIS, FRANCE
2005 _ PARIS UNIVERSITY, PARIS, FRANCE
2005 _ ÉCOLE DE BEAUX ARTS, PARIS, FRANCE
2005 _ COMPAGNIE, MARSEILLES, FRANCE
2004 _ A-I-T HOUR MUSEUM, SUPERDELUXE, TOKYO, JAPAN
2004_ RED CUBE, TOKYO, JAPAN
2004_  A-I-T, TOKYO, JAPAN
2004 _ IMAGE FORUM, TOKYO, JAPAN
2004 _ ITAÚ CULTURAL INSTITUTE, SÃO PAULO, BRAZIL
2004 _ ATA ALTA TECNOLOGIA ANDINA, LIMA, PERU
2004 _ MALBA, BUENOS AIRES, ARGENTINA
2004 _ VIDEOTECA DEL SUR, LA HAVANA, CUBA signage
2003_  14′ VIDEOBRASIL INTERNATIONAL ELECTRONIC ART FESTIVAL, SESC POMPÉIA, SÃO PAULO, BRAZIL
2003 _ GALLERY EL ALEPH, ROMA, ITALY
2002 _ PAULISTA AUDIOVISUAL SCREENING, SÃO PAULO, BRAZIL
2002 _ GOETHE INSTITUTE, SÃO PAULO, BRAZIL
2002 _ AGORA, RIO DE JANEIRO, BRAZIL
2002 _ TRANSFORMARTE PROJECT, MILAN, ITALY
2002 _ CASA DAS ROSAS MUSEUM, SÃO PAULO, BRAZIL
2002 _ LOS ANGELES CONTEMPORARY MUSEUM, LOS ANGELES, EUA

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direction, creation and script: RACHEL ROSALEN
assistance, direction and production: ANDRÉA PASQUINI
negative: DIGITAL FILMES / SÉRGIO MARTINELLI
photo: HÉLCIO ‘ALEMÃO’ NAGAMINE
first assistant: EDUARDO DE ANDREA – KIKO
seconds assistants: ÉRIK MAMMOCCIO and REGIS MAXIMILLIAN
telecinagem: MÁRCIO PASQUALINO
edition: EDU GEHRKE / VIDECOM
finalization: ROBSON SARTORI / ESPAÇO DIGITAL
composition of signage: RENATO FRANÇA / ESPAÇO DIGITAL
music: WILSON SUKORSKI
support: ESPAÇO DIGITAL, DIGITAL FILMES, VIDECOM, ESTÚDIOS MEGA, FALLMS FILMS, JKL CINEMATOGRÁFICA, COVISERV, TELEFONICA, ZETA FILMES, CIDADE INTERNET and MICROCOM INFORMÁTICA.

Rachel Rosalen métamorphose un Jardin des Morts en Jardin d’amour. Miracle de l’interactivité. En entrant dans son installation, en vous prêtant à son jeu, en obéissant à son programme, vous devenez un saint doué pour un instant du pouvoir de résurrection. Lazare, lève-toi et marche, lançait Jésus. Images, sortez du tombeau, ordonnez-vous du bout du… pied. Et ça marche.

A première vue, la pièce sombre où vous êtes invité à pénétrer n’a rien d’un jardin. C’est un cube de silence. Le sol, d’une blancheur sublime, s’amollit sous vos pas. Du sable ? Non, du sel. Ses cristaux scintillent doucement à la lueur, faible, des deux grands images qui occupent presque entièrement deux des faces du cube. Vous identifiez, sur ces images, un cimetière japonais. Au milieu des tombes, une jeune femme en robe blanche, s’incline en serrant dans ses mains un énorme objet ovoïde, blanchâtre. D’autres objets identiques peuplent les allées du Repos. Pétrifié par l’étrangeté du lieu, par l’énigme du spectacle, vous n’osez pas bouger.

C’est alors que quelqu’un d’autre entre dans la pièce, un visiteur de plus. Il traverse votre champ visuel et va se poster à quelques mètres de vous. Une des deux images se met à bouger. La jeune femme s’agenouille et fait glisser dans son dos l’œuf qu’elle tenait sur son giron. Ce mouvement accompli, l’image se fige. Vous faites un pas en arrière pour contourner votre co-locataire du lieu. L’autre image s’anime : la silhouette blanche se faufile entre les tombes. Alors vous comprenez – on vous a déjà fait ce coup – que l’œuvre est interactive, d’ailleurs c’était marqué à l’entrée. Vous vous mettez à chercher les capteurs, les boutons déclencheurs, cachés sous le tapis scintillant. Votre voisin, qui lui non plus n’est pas tombé de la dernière pluie, se décide à jouer de même à ce colin-maillard des chaussures. Allez, chacun son tour. Avec complicité vous vous renvoyez les images, comme on se renvoie la balle sur un terrain de tennis. C’est un festival de coups (smash, lift, passing shot) bien envoyés. Les images s’enchaînent. Les actions sur les deux écrans alternent : toujours des gestes (élévation, déposition, transportation) avec ces œufs.

Hola ! que se passe-t-il ? Tout un groupe (des scolaires) pénètre dans la salle de jeu. Ils piétinent sans comprendre le tapis blanc, rient un peu et s’éclipsent. Ils étaient trop nombreux, ils ont bloqué le système. Les capteurs activés tous en même temps se sont déclarés en panne.
C’est le problème des installations interactives. Au-delà d’un nombre X de participants, la machine ne répond plus. Il faudrait limiter les accès. La chance vous sourit : l’autre visiteur s’en va. Vous voici à nouveau seul avec la belle. Et sa ribambelle d’images proposées à vos pulsions tactiles. Vous pianoter des deux pieds, de moins en moins à l’aveugle, le dispositif. Vous enchaînez les notes, déchaînez les actions. Compositeur ou presque.

Et vous commencez à interpréter le spectacle dont vous faites partie.
Le lieu est un cimetière. Où reposent ceux qui ne sont plus. Les œufs sont des images. Enfermées dans des urnes. Images mortes mais pas pour toujours. Quelqu’un peut leur redonner vie et ce quelqu’un c’est vous, spectateur. De même que le visiteur d’un cimetière ranime par sa pensée les morts qu’il vient saluer, de même le spectateur actif participe à une opération de… résurrection. Qui suis-je ? Le Christ ou presque.

Il s’agit bien ici du lien fort que toute image entretient avec le désir de survie. Godard en a fait un chapitre de ses Histoire(s) du Cinéma. Il égraine à plusieurs reprises les mots de cette affirmation : la résurrection viendra avec les images – l’image viendra au temps de la résurrection – oh temps… Ce n’est pas seulement une citation tronquée de Saint Paul (Rachel Rosalen vient de Sao Paolo, coïncidence, mais ça n’a rien à voir), c’est l’application d’une pensée maîtresse de Malraux, explicitée dans Le Musée Imaginaire.

« Les œuvres ressuscitées, ne sont pas nécessairement immortelles. Le chef-d’oeuvre ne maintient pas un monologue souverain, il impose l’intermittent et invincible dialogue des résurrections. » Phrase pénétrante, que Godard a beaucoup méditée. (1)

Où je vois une clé possible du Jardin d’Amour de Rachel Rosalen. Selon Malraux, toute reproduction d’œuvres d’art sous forme de photos ou de films (c’est le sujet même du Musée imaginaire, musée d’images, d’œuvres réincarnées dans des images) introduit ces oeuvres, surtout s’il s’agit de chefs d’œuvre, dans un concert sans fin (intermittent mais invincible). L’image terrasse la mort. Mais comment et jusqu’à quel point ? Ce phénomène qu’il a été le premier à décrire, Malraux se contente de le constater, mais avec quel souffle !

Voici . « L’immense dérive des nuages qui emporte les civilisations vers la mort, et qui effaça tour à tour les Astres de Chaldée et l’étoile des Bergers, semble aujourd’hui passer en vain sur la première constellations des images. A toutes les œuvres d’art qu’il élit le Musée Imaginaire apporte, sinon l’éternité que leur demandaient les sculpteurs de Sumer ou de Babylone, sinon l’immortalité que leur demandaient Phidias et Michel-Ange, du moins une énigmatique délivrance du temps. »

Enigmatique délivrance du temps… Cela même que nous éprouvons en nous enivrant des effets de notre pouvoir magique dans le Jardin de Rachel Rosalen. Sauf qu’il ne s’agit pas, ici, de réactiver seulement le principe salvateur des images d’oeuvres d’art (comme le théorise Malraux, comme l’accomplit Godard) mais de toute image, en tenant compte que, de l’époque pensée par Malraux à celle que nous vivons, nous avons changé d’ère (2). La reproduction du réel (dont les œuvres d’art font partie) et la circulation des images (du réel et donc des œuvres) sont entrées dans l’âge du Direct (direct tivi, direct internet). Ce dont Godard manifeste une conscience aiguë depuis toujours mais encore plus dans ses Histoire(s) du Cinéma : il les a tournées en vidéo, pour des chaînes de télévision, en se mettant en scène dans une posture de commandeur de l’Immédiateté, ordonnant aux citations de films, de tableaux, de livres de paraître, et de com-paraître (moins au sens judiciaire qu’orchestral), aussitôt qu’énoncées ou frappées sur un clavier leurs titres. Client sans limite des Banques de données, le JLG, même s’il vitupère à satiété Ordinateurs et Télés. Plus sereine, l’installation de Rachel Rosalen se donne comme une démonstration irrésistible de la force – vitale – de la Télévision comme d’Internet. Elle ne refait pas le Musée Imaginaire, elle nous plonge dans les arcanes de son programme : la Simultanéité. Ce ne sont pas les applications qui l’intéresse mais sa logique. Œuvre théorique donc, désarticulant les causes des prodiges de l’Image au stade actuel. En avançant un pied sur le sol du Jardin d’amour, nous pénétrons dans un logiciel. Caméra, Réel, Reproduction, Stockage, Diffusion : tous les acteurs du miracle permanent sont au rendez-vous.
Y a-t-il une caméra dans la salle ? Il y en a des centaines : autant que de visiteurs. Chaque mouvement activé sur l’un des écrans est le résultat d’un filmage dont nous sommes les auteurs. Avec nos pieds, nous ne votons pas pour tel ou tel moment d’un réel stocké, nous le fabriquons. C’est du réel qui surgit de notre action et simultanément sa mise en image. Tout se passe en Direct. Une image, normalement, tue le réel, le désigne comme passé, trépassé. Avec le Direct, ressuscite immédiatement ce qui bascule dans la mort. Le temps est aboli.

Oh temps ! L’espace devient un océan d’éternité.

Un jardin d’amour ? De « a » – plus exactement. Quel genre de fleurs sont ces « a » ?

Des fleurs de mon désir (bonjour Almodovar). La force d’attraction de ce que propose Rachel Rosalen en son Jardin d’amour ne tient pas seulement à l’efficacité de sa simulation subtile, machine à explorer le Temps Réel de nos Images : elle s’enracine au plus profond de ce qui meut nos désirs. L’image est l’objet petit a du Monde que nous voulons posséder. Pulsion sans fin recommencée de la fusion illusoire.

L’image n’est pas le Réel. Même quand ce Réel est par elle créé. Embrasser ce a c’est étreindre le néant. Expérience fondamentale de l’Etre.

Etre tenu au dessus du vide (et maintenu en vie) par le crochet du néant, cela s’appelle l’aurore pour certains, pour d’autres l’âme, l’amour, l’art, etc. La résurrection des images est la vérité de toute résurrection.

Notes
1. Méditations sur lesquelles j’ai glosé dans un article (L’art sans faute) publié parCentre Culturel Français de Turin, en 1990, à l’occasion d’une rétrospective Godard.
2. Voir mon texte Tamtam dans la cathédrale dans le n° 16 (avril 2006) de la revue MédiaMorphoses, publiée par l’INA.

The garden of love is an installation about the cycle of life.
Life is short and fleeting. Living in Japan, I often noticed the cemeteries (ohaka) in the middle of the city.

They are a Ma* in the very intense and concentrated time and space that is Tokyo. The presence of our bodies and the remains of bodies resting in these spaces, transforms the place into a liminal territory, a gateway to another dimension of life. It doesn’t matter if you believe that life continues or not, but I experienced the ohaka as a place to demonstrate the love and respect for one’s ancestors.

We trace our personal histories to the memory and flesh beneath the earth. We perform the meaning of these relationships through individual and collective rituals. I choose an intimate language to communicate love: that thin and delicate line that connects our past, present, and future. “The Garden of Love” expresses the visceral and emotional spiral that weaves these distinct states of being.

This work is about the transitory nature life and its absence. Humanity’s communal invention-the town- maintains this plural space in its very center, even in the extreme urban expression of Tokyo.

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2007 _ Sérgio Motta Art and Technology Foundation Prize, São Paulo, Brazil
http://www.premiosergiomotta.org.br/

2006 _ VIDEOFORMES: MANIFESTATION INTERNATIONALE D’ART VIDÉO ET NOUVEAUX MÉDIAS, CLERMOND-FERRANT, FRANÇA
http://www.nat.fr/videoformes/FESTIVAL/2006/EXPOS/EXPOS_TOLERIE_06.html

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ceramist: KYOKO TOKUMARU
ceramic production in Tokyo: ROSALEN EXHIBITION COMMITTEE/ YOKOHAMA MUSEUM OF ART (YOKOHAMA ARTS FOUNDATION), coordenate by HIROKO SEKI and MICHIKO OGURA for TRANSLOCAL URBANITIES > LOVE POLITICS, YOKOHAMA ART MUSEUM, 2005.
co-production: VIDEOFORMES: MANIFESTATION INTERNATIONALE D’ART VIDÉO ET NOUVEAUX MÉDIAS, CLERMOND-FERRANT, FRANCE.
special thanks: FUMIO NANJO, HIROKO SEKI.

http://www.nat.fr/videoformes/FESTIVAL/2006/EXPOS/EXPOS_TOLERIE_06.html

The Garden of Love é uma vídeo instalação interativa feita a partir de imagens gravadas em um cemitério zen-budista em Tokyo. A artista realiza uma performance para a câmera criando intervenções no espaço público do cemitério e colocando em questão o sentido da vida. As gravações da performance e edição são utilizadas na construção de dois bancos de dados acionáveis por sensores de presença que respondem ao fluxo do público no espaço. A partir destes bancos de dados são feitas duas projeções diferentes em paredes contíguas. Na borda externa de cada projeção uma faixa de espelho cria um espaço paralelo localizado atrás das imagens projetadas, um cubo branco vazio, silencioso e suspenso onde o espectador se vê.

O espaço da instalação é de 6 X 6 X 3 metros, teto de malha branca elástica e piso coberto por uma camada de 2 cm de sal, formando um espaço completamente branco. O sal foi escolhido por suas propriedades químicas: higroscópica, conservação, desertificação das áreas que têm alta concentração de sal na terra e condução de energia. Sua propriedade higroscópica diminui a taxa de umidade no ar, gera um ambiente de diferente temperatura e altera a sinestesia e portanto a percepção do trabalho como um todo.

Este quase cubo branco reflete a luz das imagens transformando o espaço em uma caixa de luz. Os interatores estabelecem o tempo do projeto e alteram o horizonte de eventos contido no trabalho.

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2007 _ PRÊMIO DO INSTITUTO SERGIO MOTTA DE ARTE E TECNOLOGIA, SÃO PAULO
http://www.premiosergiomotta.org.br/

2006 _ VIDEOFORMES: MANIFESTATION INTERNATIONALE D’ART VIDÉO ET NOUVEAUX MÉDIAS, CLERMOND-FERRANT, FRANÇA
http://www.nat.fr/videoformes/FESTIVAL/2006/EXPOS/EXPOS_TOLERIE_06.html

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2005 – 2006, Tokyo, Japão/ Clermont-Ferrand, França

ceramista: KYOKO TOKUMARU
produção das cerâmicas em Tokyo: ROSALEN EXHIBITION COMMITTEE/ YOKOHAMA MUSEUM OF ART (YOKOHAMA ARTS FOUNDATION), com coordenação de HIROKO SEKI e MICHIKO OGURA por ocasião da mostra solo TRANSLOCAL URBANITIES > LOVE POLITICS, YOKOHAMA ART MUSEUM, 2005.
co-produção: VIDEOFORMES: MANIFESTATION INTERNATIONALE D’ART VIDÉO ET NOUVEAUX MÉDIAS, CLERMOND-FERRANT, FRANÇA
agradecimentos: FUMIO NANJO, HIROKO SEKI

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Os deslocamentos colocam-me em uma posição que tem algo muito similar com a situação do exílio. Não qualquer exílio, mas a de um exílio decidido e experienciado como processo de pesquisa e construção de obra. O exilio se define pelas suas bordas e limites: é uma possibilidade da política, mas se difere do êxodo e da diáspora. Seu rotor é diferente porque sua memória é diferente e é esta sua memória a motivação para sua volta. Não retornam a casa do mesmo modo o exilado e o imigrado. Não elaboram (exilado e imigrado) do mesmo modo a nostalgia nem a visão de mundo, nem seus retornos. O lugar do artista tem também algo do exílio mas também do insílio, ou o que define aquele que se sente estrangeiro dentro da própria pátria. O insílio se diferencia do exílio na sua voz: caracteriza-se pelo silêncio, um silêncio quase total.

O exílio é ainda uma experiência expansiva porque traz em si um liberar-se da memória, uma liberação mediada pela nostalgia (nostos em grego é estar longe da pátria). Nessa expansão o artista é a interface. Traz em si uma memória larga e intransmissível e isto é ao mesmo tempo sua força e sua delicadeza, sua morada e sua raiz errante. Trata-se então da preservação e apagamento da memória, desta experiência de estrangeiridade no corpo, um corpo em trânsito, de passagem, meio nômade, deslocado, na situação de alteridade radical: um corpo que habita o não pertencimento, que habita esta cidade estrangeira e que só assim pode nos revelar as imagens do insílio. O trabalho de um artista é uma construção ininterrupta onde cada obra faz um corte e coloca em suspensão a reflexão que é contínua.

The Garden of Love dá continuidade a esta série de projetos realizados em trânsito pelo Japão, entre exílios e insílios e considera o corpo como interface e o trânsito como parte fundante do trabalho.

A captura destas imagens envolveu mais de dez dias de imersão no cemitério, do amanhecer até a luz cair no final da tarde. Tal imersão é bastante visível nas imagens. São, como nos diria Bergson, imagens-tempo. Este banco de dados contém uma série de ações que se repetem, são interrompidas, quebradas, retornam, desaparecem, retornam novamente. Trata-se do ciclo da vida revelado em uma contagem: 2, 56, 27, 98, 1, 3, 59, 84, … e assim por diante. Os ovos ocupam o espaço meio público meio privado das lápides, nesta contagem sem início nem fim que se desdobra sobre si mesma. Peter Pál Pelbart comenta sobre as noções de tempo na obra de Deleuze: “Diríamos que o tempo, como matéria-prima aberta, é como uma massa a ser incessantemente moldada, ou modulada, estirada” (PELBART, 1998:21). E é esta massa e a ação sobre esta massa que The Garden of Love convoca.

O cemitério foi escolhido como um lugar para falar da transitoriedade da vida, de continuidade e ruptura. O homem deixa de ser nômade a partir do momento em que começa a se agrupar e sedimentar em torno dos locais onde são enterrados seus mortos. Não só – é o lugar de sepultamento e o culto dos mortos que estão na base, talvez a única base concreta, da idéia de pátria. As necrópolis estão, portanto, na raiz das cidades. Em Tokyo, como em qualquer cidade do mundo, estas necrópolis são locais de repouso, pausa, respiro. Criam um vazio potencial dentro de um silêncio suspenso entre o vir a ser e o passado. Este projeto está baseado no conceito japonês ma, que permeia todas as manisfestações artísticas da cultura japonesa e é uma suspensão no fluxo de espaço-tempo.

Amnésia é uma vídeo instalação interativa sobre o apagamento da memória e da repetição incessante de imagens de guerra, que por mais diversas que sejam, trazem-nos de volta a antigas paisagens de destruição, colocando tais eventos em uma suspensão que assombra e retorna como fantasmagoria.

Amnésia é um projeto sobre os efeitos a longo prazo dos sistemas autoritários, traumáticos, repressivos e violentas situações contemporâneas que se constroem a partir da repetição. Através de uma narrativa não-linear, esse projeto desenha uma narrativa ficcional, cheia de labirintos e loops que descrevem essa situação perversa.

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2007_ POR UM FIO, PAÇO DAS ARTES, SÃO PAULO, BRASIL

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2007, São Paulo, Brasil

interface: TEO PONCIANO
agradecimentos: ARLINDO MACHADO, DUVA E RAFAEL MARCHETTI

ZEROZONES is an interactive video installation that creates an immersible environment witch breaks down the concepts of the euclidean space. The stretched shape of the installation was projected as a hexagonal corridor. Black curtains close the entrance and the exit and mirror walls define the space. White sand covers the floor, where a 100 handmade ceramic sculptures  in form of eggs are placed, representing life beginning and the advent of the digital times. Data-banked images are projected on four screens. The images come from two projectors aimed to the mirror walls and more two others to the white sand.

Four sensors placed in between these eggs sculptures are connected to the computer. When the sensors detect the public movement the PC abruptly change the ocean looping image to urban short videos, creating a non-linear horizon of events.

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2007 _ CPFL CULTURAL SPACE, CAMPINAS, BRAZIL

2005 _ TRANSLOCAL URBANITIES > LOVE POLITICS, YOKOHAMA ART MUSEUM, JAPAN

2004 _ THE JAPAN FOUNDATION SÃO PAULO, BRAZIL

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music: WILSON SUKORSKI
editing: RACHEL ROSALEN
director programming: HENRIQUEN MINAMI
interface: BERNARDO SHEPOP, MARCELO RATTO, RACHEL ROSALEN
english translation: MARCIA VAITSMAN

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SÃO PAULO

production: FUNDAÇÃO JAPÃO
support: COVISERV, KITANI, SONY DO BRASIL
buildup: VOTUPOCA
photos: JO TAKAHASHI

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YOKOHAMA

production: ROSALEN EXHIBITION COMMITTEE/ YOKOHAMA MUSEUM OF ART (YOKOHAMA ARTS FOUNDATION)
grants: THE JAPAN FOUNDATION TOKYO, THE NOMURA CULTURAL FOUNDATION
sponsors: ASAHI BREWERIES LTD., SHISEIDO CO. LTD
in cooperation with: VARIG, ANA – ALL NIPON AIRLINES CO, MATSUSHITA ELECTRIC INDUSTRIAL CO LTD, SAN-EI TV CO, LEAD-OFF JAPAN CO
support: FUNDAÇÃO JAPÃO SÃO PAULO and BRAZILIAN EMBASSY TOKYO
exhibition coordination: HIROKO SEKI
exhibition coordination assistant: MICHIKO OGURA
translation: SUNNY SUH
buildup: TOKYO STUDIO/ HIGURE 17-15 CAS
graphic designer: MADOKA YAMAMOTO
web design: AYAKO HAGIWARA
ceramics: KYOKO TOKUMARU
special thanks: JO TAKAHASHI, MAKIKO HARA, A-I-T, YUKO NISHIYAMA, YOICHIROU OZAWA, TORU YOSHIWAKA, TOKAO OKAMURA, SOHAKU YAMASHITA, HIRONOBU SHIOZAWA, KARA BESHER, KEISUKE OKI, HIBIKI TSUGE, MYU OBA and AGENTARS.

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CPFL

production: PAÇO DAS ARTES
building: ÁLVARO RAZUK

Esta construção gera, através da reflexão, camadas paralelas de imagens dentro dos espelhos provocando profundidade de campo e quebrando com a perspectiva renascentista baseada em um ponto de fuga. Esta provocação da profundidade de campo através de linhas paralelas já estava presente nas gravuras japonesas. Zerozones utiliza esta profundidade na arquitetura da instalação.

A interação está presente através da utilização de quatro sensores conectados ao computador central, que ao detectar o movimento do público abruptamente muda a imagem do oceano que fica em loop para vídeos de cidades, trabalhando na não linearidade das projeções e criando um horizonte de eventos.

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2007 _ ESPAÇO CULTURAL DA CPFL, CAMPINAS, BRASIL

2005 _ TRANSLOCAL URBANITIES > LOVE POLITICS, YOKOHAMA ART MUSEUM, JAPÃO

2004 _ FUNDAÇÃO JAPÃO SÃO PAULO, BRASIL

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música: WILSON SUKORSKI
edição: RACHEL ROSALEN
programação em director: HENRIQUEN MINAMI
interface: BERNARDO SHEPOP, MARCELO RATTO, RACHEL ROSALEN

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SÃO PAULO

produção: FUNDAÇÃO JAPÃO
apoio: COVISERV, KITANI, SONY DO BRASIL
montagem: VOTUPOCA
fotos: JO TAKAHASHI

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YOKOHAMA

produção: ROSALEN EXHIBITION COMMITTEE/ YOKOHAMA MUSEUM OF ART (YOKOHAMA ARTS FOUNDATION)
grants: THE JAPAN FOUNDATION TOKYO, THE NOMURA CULTURAL FOUNDATION
sponsors: ASAHI BREWERIES LTD., SHISEIDO CO. LTD
em cooperação com: VARIG, ANA – ALL NIPON AIRLINES CO, MATSUSHITA ELECTRIC INDUSTRIAL CO LTD, SAN-EI TV CO, LEAD-OFF JAPAN CO
apoio: FUNDAÇÃO JAPÃO SÃO PAULO e EMBAIXADA DO BRASIL EM TOKYO
coordenação da mostra: HIROKO SEKI
assistente de coordenação: MICHIKO OGURA
tradução: SUNNY SUH
montagem: TOKYO STUDIO/ HIGURE 17-15 CAS
desenho gráfico: MADOKA YAMAMOTO
web design: AYAKO HAGIWARA
cerâmicas: KYOKO TOKUMARU
agradecimentos especiais: JO TAKAHASHI, MAKIKO HARA, A-I-T, YUKO NISHIYAMA, YOICHIROU OZAWA, TORU YOSHIWAKA, TOKAO OKAMURA, SOHAKU YAMASHITA, HIRONOBU SHIOZAWA, KARA BESHER, KEISUKE OKI, HIBIKI TSUGE, MYU OBA e AGENTARS.

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CPFL

produção Espaço Cultural CPFL: PAÇO DAS ARTES
montagem: ÁLVARO RAZUK
montagem: equipe do PAÇO DAS ARTES

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2007 _ O GLOBAL E O LOCAL. O VIDEO E AS IMAGENS DO INSILIO – 20 YEARS OF MOVING IMAGE, ITAÚ CULTURAL INSTITUTE, SÃO PAULO, BRAZIL

2005 _ TRANSLOCAL URBANITIES > love politics , YOKOHAMA ART MUSEUM, JAPÃO

2005 _ BANCO DO BRASIL CULTURAL CENTER, SÃO PAULO, BRAZIL

2004 _ O CORPO. ENTRE O PÚBLICO E O PRIVADO, IMAGE FORUM, TOKYO, JAPAN

2004 _ RED CUBE, TOKYO, JAPAN

2004 _ A-I-T, TOKYO, JAPAN

2004 _ POLA MUSEUM ANNEX, TOKYO, JAPAN

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music: WILSON SUKORSKI and LIVIO TRAGTENBERG

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2007 _ O GLOBAL E O LOCAL. O VIDEO E AS IMAGENS DO INSILIO – 20 ANOS DE IMAGEM EM MOVIMENTO, INSTITUTO ITAÚ CULTURAL, SÃO PAULO, BRASIL

2005 _ TRANSLOCAL URBANITIES > love politics , YOKOHAMA ART MUSEUM, JAPÃO

2005 _ CENTRO CULTURAL DO BANCO DO BRASIL, SÃO PAULO, BRAZIL

2004 _ O CORPO. ENTRE O PÚBLICO E O PRIVADO, IMAGE FORUM, TOKYO, JAPÃO

2004 _ RED CUBE, TOKYO, JAPÃO

2004 _ A-I-T, TOKYO, JAPÃO

2004 _ POLA MUSEUM ANNEX, TOKYO, JAPÃO

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música: LIVIO TRAGTENBERG e WILSON SUKORSKI

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2007_Paço das Artes, São Paulo, Brazil

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2007, São Paulo, Brasil

interface: TEO PONCIANO
agradecimentos: ARLINDO MACHADO, DUVA E RAFAEL MARCHETTI

Um grande banco de imagens históricas sobre guerras de diferentes localizações geográficas, razões políticas, religiosas, étnicas, com um ponto em comum: todas sem razão ética – formam a matéria-base que vai sendo moldada através da navegação da Alice. Essa personagem, gravada em estúdio, com performance da própria artista, leva o espectador a atravessar diferentes situações destes períodos de extrapolação, banalização e mediatização do mal.

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2007 _ LABOR, SÃO PAULO, BRASIL

2007 _ FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO DE RIO PRETO, SÃO JOSÉ DO RIO PRETO, BRASIL

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2007_ São Paulo, Brasil

projeto, direção, pesquisa, edição, performance em estúdio e imagens ao vivo: RACHEL ROSALEN
música – improvisação livre: THOMAS ROHRER (rabeca preparada, sax barítono) e ANTONIO PANDA GIANFRATTI (percussão contemporânea)
Alice ao vivo: PATRÍCIA GORDO
fotos: GAL OPPIDO
agradecimentos: ROBERTA MAHFUZ

‘essay on cruelty’ does not only regard one but to all the crude and rough battles, bloody and unnecessary. To navigate into these scenarios based on the banality of evil, two characters were selected: The Queen of Spades [Lewis Caroll] and Mr. Fatzer [Bertold Brecht]. A dialog in between them both can be almost a non-dialog indeed. A tension among the Alice’s immersible trip thought this scenario and the horror portray in the mediatized massacres images. What is this place? _ asks our character. It is a flesh trade._ answers another one.

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2007 _ INTERNACIONAL THEATER FESTIVAL OF RIO PRETO, SÃO JOSÉ DO RIO PRETO, BRAZIL

2007 _ LABOR, SÃO PAULO, BRAZIL

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music [ free improvisation] : THOMAS ROHRER _ rabeca, sax and ANTONIO PANDA GIANFRATTI _ contemporary percussion
photos: GAL OPPIDO
‘Alice’ live interpretation: PATRÍCIA GORDO
thanks to ROBERTA MAHFUZ

A partir de finais dos anos 1980, algo começa a mudar na paisagem eletrônica brasileira. Eder Santos começa a se preocupar com as imagens do exterior em vídeos como Não Vou à África porque Tenho Plantão, Essa Coisa Nervosa e Enredando a la Gente, enquanto Sandra Kogut, em Parabolic People, nos faz tomar consciência de um planeta que se tornou globalizado e de uma humanidade cujas relações se internacionalizaram. De repente, o Brasil não era mais um país isolado e seus problemas não se resolviam apenas em escala nacional.

A partir da generalização dos processos de mestiçagem e hibridismo, a partir também dos deslocamentos e migrações em escala mundial no final do século XX, o global e o local se entrecruzam, as fronteiras são perfuradas e, de repente, nos damos conta de que o Iraque (ou o Haiti) é aqui. A Internet é a expressão mais acabada dessa mutação: nela estamos em casa tanto com o vizinho da frente como com o estrangeiro distante. Muitos videoartistas brasileiros passam a morar no exterior, de forma definitiva ou temporária, ou passam a se interessar por outros povos, outras culturas, outras realidades. O vídeo brasileiro começa então a falar outras línguas, generalizam-se os títulos em inglês, voltamos a deglutir antropofagicamente tudo o que supúnhamos ser estrangeiro. Os rostos que povoam as nossas telas eletrônicas pertencem agora a todas as raças.

O próprio conceito de estrangeiro mudou. Antes, a estrangeirice era pensada em termos apenas territoriais, com base na oposição binária entre o próprio e o distante. Agora, viramos todos estrangeiros, dentro ou fora do país. Surge aquilo que Nestor Canclini denomina o estrangeiro nativo, o que está deslocado, por sua diferença, em seu próprio país. No lugar do exílio, o insílio, o exilado interno, desclassificado como cidadão, trabalhador sem contrato e sem licença, menor abandonado, pirata, traficante. Num mesmo lugar, há bairros onde se fala árabe, espanhol, ou coreano, há também bairros onde não se pode entrar sem uma espécie de “visto” dos grupos dominantes, as pessoas usam roupas diferentes das nossas, as praias são apropriadas por gente de fora. Surgem inclusive as línguas crioulas: portunhol, spanglish. Viramos todos nômades, imigrantes, forasteiros, foragidos, transculturais, transsexuais, seres híbridos, sem identidade ou com demasiadas identidades.

O vídeo e as artes plásticas talvez tenham sido as formas artísticas mais sensíveis a esses deslocamentos, se considerarmos que outras formas de cultura, como o cinema e a literatura, ainda continuam fortemente ancorados na temática nacional. A mostra visa colocar em confronto o que de mais consistente foi realizado no âmbito do vídeo nos últimos vinte anos dentro desse movimento de interpenetração do global com o local e na perspectiva de uma internacionalização radical. Ela propõe uma discussão inovadora sobre o que marca a saída do século XX e a entrada no século XXI em termos humanos, sociais e artísticos.

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2007 _ PLATAFORMA CENTRO MEC, CONCENTRADO VIDEO: TRANSICIONES DIGITALES, MONTEVIDEO, URUGUAY

2005 _ TRANSLOCAL URBANITIES > love politics , YOKOHAMA ART MUSEUM, JAPÃO

2006 _ PALAZZIO NUOVO, NAPLES, ITALY

2005 _ BANCO DO BRASIL CULTURAL CENTER, SÃO PAULO, BRAZIL

2004 _ BODY & POLITICS, IMAGE FORUM, TOKYO, JAPAN
http://www.imageforum.co.jp/cinematheque/854/index.html

2004 _ A-I-T, TOKYO, JAPAN

2004 _ OPTICALDESIRES-EROPTICALPASSINGS, JAPAN FOUNDATION, SÃO PAULO, BRAZIL

2004 _ RED CUBE, TOKYO, JAPAN

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performance: YOICHIROU OZAWA and RACHEL ROSALEN