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from August 1st ~ September 21, 2008, TEMPORADA DE PROJETOS, PAÇO DAS ARTES, SÃO PAULO, BRASIL

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project, direction, research, edition, posproduction and Alice’s performance in studio: RACHEL ROSALEN
music: THOMAS ROHRER [rabeca and sax] and ANTONIO PANDA GIANFRATTI [contemporary percussion]
costume designer: SAMUEL CIRNANSKI
lighting ans camera: GIACOMO FAVRETTO
special thanks: ARLINDO MACHADO, PRISCILA ARANTES, RAFAEL MARCHETTI and SUPER-DELUXE TOKYO.

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visitação:
1 de agosto a 21 de setembro de 2008, TEMPORADA DE PROJETOS, PAÇO DAS ARTES, SÃO PAULO, BRASIL

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projeto, direção, pesquisa, edição, finalização e performance da Alice em estúdio: RACHEL ROSALEN
música: THOMAS ROHRER [rabeca preparada e saxofone] e ANTONIO PANDA GIANFRATTI [percussão contemporânea]
figurino da Alice: SAMUEL CIRNANSK
luz e câmera: GIACOMO FAVRETTO
agradecimentos: ARLINDO MACHADO, PRISCILA ARANTES, RAFAEL MARCHETTI e SUPER-DELUXE TOKYO.

Rachel Rosalen & Rafael Marchetti

O projeto territórios foi criado em 2007 pelos artistas Rafael Marchetti e Rachel Rosalen a partir das relações entre geo-localização e construção de significados através dos meios eletrônicos: produção de interfaces, programação, instalações e projetos site-specific interativos confluindo para espaços híbridos.

Territórios 2334s 4639w discute a complexidade do entorno da Avenida Paulista e faz a deconstrução da imagem da avenida como cartão- postal da cidade apontando para a multiplicidade de camadas de informação. São Paulo responde a um complexo de situações urbanas que formando malhas articulam como um território urbano multicêntrico estruturalmente interligado.

Em termos de infra-estrutura, a Avenida Paulista concentra 22 helipontos, 40 antenas de telecomunicações e conta com o fluxo de 1.5 milhão de pessoas, 100.000 veículos e 100 vôos de helicópteros diariamente em uma extensão de somente 1.8 km.
Nesta região foram realizados mapeamentos com dispositivos de GPS e câmera de vídeo sem desprezar os “ruídos” decorrentes dos sistemas de captura empregados e das interferências atmosféricas do entorno.

Territórios 23°34’s 46°39′ w ocupou o cubo branco e a fachada de vidro da Galeria de Arte do SESC Paulista.  A partir do material coletado, foram criadas visualizações controladas por sensores infravermelhos relacionados ao fluxo do interior da galeria, que incidiam em duas retro-projeções nas fachadas de vidro, devolvendo ao espaço urbano uma construção estética da sua própria complexidade.

Dentro do cubo branco era exibida a leitura da “geo-localização” da galeria utilizando um GPS que recebia as informações em tempo real através de um dispositivo de instalado/fixado no local. De acordo com a posição do espectador em relação à imagem projetada na última camada do espaço interno da sala, os dados eram apresentados - desde as coordenadas de geo-localização e altitude até o código puro. Estes dados estavam se sobrepunham a uma grande escultura visual que reunia a visualização dos tracks de GPS do entorno da Av. Paulista e do eixo econômico/ geográfico que concentra a administração de 46% do PIB nacional.

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2007_ Circulações, Mostra Sesc de Artes, Galeria de Arte Sesc Paulista

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2007, São Paulo, Brasil

Rachel Rosalen & Rafael Marchetti

The project TERRITÓRIOS was set up in 2007 by artists Rachel Rosalen and Rafael Marchetti from relations between geo-location and construction of meanings through the electronic media: production of interfaces, programming, site-specific installation creating a hybrid interactive space.

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2007_ Circulações, Sesc Art Exhibition, Sesc Paulista Art Gallery

Fluorescências está proposto como um recorte que exibe exatamente aquilo que jamais seria mostrado pela mass midia em público em uma escala avassaladora. Assim, leva esta situação ao próprio limite, inverte o jogo, mostra a perversidade dominante nas relações nas grandes metrópoles contemporâneas, coloca o espectador em questão e sugere uma outra navegação no sentido da vida.

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2008 _ FESTIVAL INTERNACIONAL DE LA IMAGEN DE MEDELLÍN, MUSEO DE ARTE MODERNO, MEDELLÍN, COLOMBIA

2006 _ URBANLANDSCAPES NO.1, KUNSTRAUM WALCHETURN, ZURICH, SUIÇA

2006 _ CENTRE GEORGES POMPIDOU PREVIEW 2006, PARIS, FRANÇA

2005 _ SEMANA DE ARTE, NASSAU UNIVERSITY, NOVA YORK, EUA

2005 _ CENTRE WALLONIE BRUXELLES, PARIS, FRANÇA

2005 _ PARIS UNIVERSITY, PARIS, FRANÇA

2005 _ ÉCOLE DE BEAUX ARTS, PARIS, FRANÇA

2005 _ COMPAGNIE, MARSEILLES, FRANÇA

2004 - RED CUBE, TOKYO, JAPÃO

2004 - A-I-T, TOKYO, JAPÃO

2004 _ IMAGE FORUM, TOKYO, JAPÃO

2004 _ INSTITUTO ITAÚ CULTURAL, SÃO PAULO, BRASIL

2004 _ ATA ALTA TECNOLOGIA ANDINA, LIMA, PERU

2004 _ MALBA, BUENOS AIRES, ARGENTINA

2003 _ GALERIA EL ALEPH, ROMA, ITALY

2002 _ CENTRO CULTURAL DO BANCO DO BRASIL, SÃO PAULO, BRASIL

2002 _ GOETHE INSTITUTE, SÃO PAULO, BRASIL

2002 _ AGORA, RIO DE JANEIRO, BRASIL

2002 _ TRANSFORMARTE, MILÃO, ITALIA

2002 _ CASA DAS ROSAS, SÃO PAULO, BRASIL

2002 _ MUSEU DE ARTE CONTEMPORÂNEA DE LOS ANGELES, EUA

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2001, São Paulo, Brasil
10 minutos

direção, criação e roteiro: RACHEL ROSALEN
assistência de direção e produção: ANDRÉA PASQUINI
formato de captura: 16MM
formato de exibição: BETA DIGITAL/ DV
película: DIGITAL FILMES/ SÉRGIO MARTINELLI
fotografia: HÉLCIO ‘ ALEMÃO’ NAGAMINE
primeiro assistente: EDUARDO DE ANDREA – KIKO
segundos assistentes: ÉRIK MAMMOCCIO e REGIS MAXIMILLIAN
telecinagem: MÁRCIO PASQUALINO
edição: EDU GEHRKE / VIDECOM
finalização: ROBSON SARTORI/ ESPAÇO DIGITAL
composição de letreiros: RENATO FRANÇA/ ESPAÇO DIGITAL
música: WILSON SUKORSKI
apoio: ESPAÇO DIGITAL, DIGITAL FILMES, VIDECOM, ESTÚDIOS MEGA, FALLMS FILMS e JKL CINEMATOGRÁFICA.

Doorstep by doorstep, the author presents her view of a mutating territory, where discontinued, asymmetrical, paradoxical forms give life to an unstable landscape that takes the place of the traditional Euclidian architecture.   Among these events, where space is the visible form of time and time is the visible form of space, the deletion of the body may be the most disturbing aspect.

It is true that having a new view, being a new view, requires inside us a fully acceptance of the changes in modern conditions. But, above all, realizing that, of this view, we are not more capable. Feeling from the inside has been externalized, it is no longer born from an inside action. Feeling from the outside is, in turn, this making naked, strangled and kidnapped, trough what we relate ourselves into the world of life. Thus, shapes, objects, figures, are gathered in mutating constellations that create dull refractions, eluding the tamed vision of the things we are used to seeing, which goes beyond the originary sphere that had them created in a progressive process of decontextualization, devoid of memory, in cognizable, and, therefore, greatly fascinating. But, beware! The condition we are talking about may not only be referred to the human being. Dislocated and labyrinthical is our present at its every turn. The desire that moves towards immateriality and no longer towards the ‘thing’ shows the presence of censorship. The body itself is no longer the root, the specific location of feeling, of the sensitive intensity. It appears now like an inorganic territory, a steam of mutations: a closed space where each experience is corrected of its own meaning. How immensely distant from the perception and experience described by phenomenology!
Between the experience and the bodies interlace the mediation, the virtualization, the desobjectification of relationships, within an amazing process of disappearance and modification. Deprived from the soul, from the ability to feel and feed their own desires, these bodies no longer remember the bubbling masses in the cities during the first half of 19th century, but the unstable and nomad biopolitics of unknown urban landscapes.

This short film guards São Paulo city, but refers itself to the big contemporary metropolis situation. The images were filmed from a variety of studied and chosen locations in São Paulo city. The work has as a fundamentals the city as body, but not any given body, but the one we’re all referred to, a mortification which the citizen can not escape from and behind a skin covered by publicity outdoors that bring erotic content at the pornography latency limit, from a city of big skyscrapers covered by mirrors, designed by a heavy and slow flow remains the image of a body exposed to the Other’s desire and limited by the taboo that organizes spaces. It’s allowed showing any extreme violent or half-naked women images. But, what is not allowed to be showed is the image of an erect man or sexual act, defining, that way, what I believe to be structural taboo.  Fluorescências is proposed as a cut in that system, a puncture in a blister, a cut that exhibits exactly what would never be showed in public in a gigantic scale. There for: takes the situation to its own limit, inverts the game, shows the dominant perversity in big contemporary metropolis relations, puts the spectator in question and suggests another sailing in the meaning of life.

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2008 _ FESTIVAL INTERNACIONAL DE LA IMAGEN DE MEDELLÍN, MUSEO DE ARTE MODERNO, MEDELLÍN, COLÔMBIA
2006 _ URBANLANDSCAPES NO.1, KUNSTRAUM WALCHETURN, ZURICH, SWISS
2006 _ CENTRE GEORGES POMPIDOU PREVIEW 2006, PARIS, FRANCE
2005 _ ART WEEK, NASSAU UNIVERSITY, NEW YORK, EUA
2005 _ CENTRE WALLONIE BRUXELLES, PARIS, FRANCE
2005 _ PARIS UNIVERSITY, PARIS, FRANCE
2005 _ ÉCOLE DE BEAUX ARTS, PARIS, FRANCE
2005 _ COMPAGNIE, MARSEILLES, FRANCE
2004 _ A-I-T HOUR MUSEUM, SUPERDELUXE, TOKYO, JAPAN
2004_ RED CUBE, TOKYO, JAPAN
2004_  A-I-T, TOKYO, JAPAN
2004 _ IMAGE FORUM, TOKYO, JAPAN
2004 _ ITAÚ CULTURAL INSTITUTE, SÃO PAULO, BRAZIL
2004 _ ATA ALTA TECNOLOGIA ANDINA, LIMA, PERU
2004 _ MALBA, BUENOS AIRES, ARGENTINA
2004 _ VIDEOTECA DEL SUR, LA HAVANA, CUBA signage
2003_  14′ FESTIVAL DE ARTE ELETRÔNICA VIDEOBRASIL, SÃO PAULO, BRAZIL
2003 _ GALLERY EL ALEPH, ROMA, ITALY
2002 _ PAULISTA AUDIOVISUAL SCREENING, SÃO PAULO, BRASIL
2002 _ GOETHE INSTITUTE, SÃO PAULO, BRAZIL
2002 _ AGORA, RIO DE JANEIRO, BRAZIL
2002 _ TRANSFORMARTE PROJECT, MILAN, ITALY
2002 _ CASA DAS ROSAS MUSEUM, SÃO PAULO, BRAZIL
2002 _ LOS ANGELES CONTEMPORARY MUSEUM, LOS ANGELES, EUA

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direction, creation and script: RACHEL ROSALEN
assistance, direction and production: ANDRÉA PASQUINI
negative: DIGITAL FILMES / SÉRGIO MARTINELLI
photo: HÉLCIO ‘ALEMÃO’ NAGAMINE
first assistant: EDUARDO DE ANDREA - KIKO
seconds assistants: ÉRIK MAMMOCCIO and REGIS MAXIMILLIAN
telecinagem: MÁRCIO PASQUALINO
edition: EDU GEHRKE / VIDECOM
finalization: ROBSON SARTORI / ESPAÇO DIGITAL
composition of signage: RENATO FRANÇA / ESPAÇO DIGITAL
music: WILSON SUKORSKI
support: ESPAÇO DIGITAL, DIGITAL FILMES, VIDECOM, ESTÚDIOS MEGA, FALLMS FILMS, JKL CINEMATOGRÁFICA, COVISERV, TELEFONICA, ZETA FILMES, CIDADE INTERNET and MICROCOM INFORMÁTICA.

Rachel Rosalen métamorphose un Jardin des Morts en Jardin d’amour. Miracle de l’interactivité. En entrant dans son installation, en vous prêtant à son jeu, en obéissant à son programme, vous devenez un saint doué pour un instant du pouvoir de résurrection. Lazare, lève-toi et marche, lançait Jésus. Images, sortez du tombeau, ordonnez-vous du bout du… pied. Et ça marche.

A première vue, la pièce sombre où vous êtes invité à pénétrer n’a rien d’un jardin. C’est un cube de silence. Le sol, d’une blancheur sublime, s’amollit sous vos pas. Du sable ? Non, du sel. Ses cristaux scintillent doucement à la lueur, faible, des deux grands images qui occupent presque entièrement deux des faces du cube. Vous identifiez, sur ces images, un cimetière japonais. Au milieu des tombes, une jeune femme en robe blanche, s’incline en serrant dans ses mains un énorme objet ovoïde, blanchâtre. D’autres objets identiques peuplent les allées du Repos. Pétrifié par l’étrangeté du lieu, par l’énigme du spectacle, vous n’osez pas bouger.

C’est alors que quelqu’un d’autre entre dans la pièce, un visiteur de plus. Il traverse votre champ visuel et va se poster à quelques mètres de vous. Une des deux images se met à bouger. La jeune femme s’agenouille et fait glisser dans son dos l’œuf qu’elle tenait sur son giron. Ce mouvement accompli, l’image se fige. Vous faites un pas en arrière pour contourner votre co-locataire du lieu. L’autre image s’anime : la silhouette blanche se faufile entre les tombes. Alors vous comprenez – on vous a déjà fait ce coup – que l’œuvre est interactive, d’ailleurs c’était marqué à l’entrée. Vous vous mettez à chercher les capteurs, les boutons déclencheurs, cachés sous le tapis scintillant. Votre voisin, qui lui non plus n’est pas tombé de la dernière pluie, se décide à jouer de même à ce colin-maillard des chaussures. Allez, chacun son tour. Avec complicité vous vous renvoyez les images, comme on se renvoie la balle sur un terrain de tennis. C’est un festival de coups (smash, lift, passing shot) bien envoyés. Les images s’enchaînent. Les actions sur les deux écrans alternent : toujours des gestes (élévation, déposition, transportation) avec ces œufs.

Hola ! que se passe-t-il ? Tout un groupe (des scolaires) pénètre dans la salle de jeu. Ils piétinent sans comprendre le tapis blanc, rient un peu et s’éclipsent. Ils étaient trop nombreux, ils ont bloqué le système. Les capteurs activés tous en même temps se sont déclarés en panne.
C’est le problème des installations interactives. Au-delà d’un nombre X de participants, la machine ne répond plus. Il faudrait limiter les accès. La chance vous sourit : l’autre visiteur s’en va. Vous voici à nouveau seul avec la belle. Et sa ribambelle d’images proposées à vos pulsions tactiles. Vous pianoter des deux pieds, de moins en moins à l’aveugle, le dispositif. Vous enchaînez les notes, déchaînez les actions. Compositeur ou presque.

Et vous commencez à interpréter le spectacle dont vous faites partie.
Le lieu est un cimetière. Où reposent ceux qui ne sont plus. Les œufs sont des images. Enfermées dans des urnes. Images mortes mais pas pour toujours. Quelqu’un peut leur redonner vie et ce quelqu’un c’est vous, spectateur. De même que le visiteur d’un cimetière ranime par sa pensée les morts qu’il vient saluer, de même le spectateur actif participe à une opération de… résurrection. Qui suis-je ? Le Christ ou presque.

Il s’agit bien ici du lien fort que toute image entretient avec le désir de survie. Godard en a fait un chapitre de ses Histoire(s) du Cinéma. Il égraine à plusieurs reprises les mots de cette affirmation : la résurrection viendra avec les images – l’image viendra au temps de la résurrection – oh temps… Ce n’est pas seulement une citation tronquée de Saint Paul (Rachel Rosalen vient de Sao Paolo, coïncidence, mais ça n’a rien à voir), c’est l’application d’une pensée maîtresse de Malraux, explicitée dans Le Musée Imaginaire.

« Les œuvres ressuscitées, ne sont pas nécessairement immortelles. Le chef-d’oeuvre ne maintient pas un monologue souverain, il impose l’intermittent et invincible dialogue des résurrections. » Phrase pénétrante, que Godard a beaucoup méditée. (1)

Où je vois une clé possible du Jardin d’Amour de Rachel Rosalen. Selon Malraux, toute reproduction d’œuvres d’art sous forme de photos ou de films (c’est le sujet même du Musée imaginaire, musée d’images, d’œuvres réincarnées dans des images) introduit ces oeuvres, surtout s’il s’agit de chefs d’œuvre, dans un concert sans fin (intermittent mais invincible). L’image terrasse la mort. Mais comment et jusqu’à quel point ? Ce phénomène qu’il a été le premier à décrire, Malraux se contente de le constater, mais avec quel souffle !

Voici . « L’immense dérive des nuages qui emporte les civilisations vers la mort, et qui effaça tour à tour les Astres de Chaldée et l’étoile des Bergers, semble aujourd’hui passer en vain sur la première constellations des images. A toutes les œuvres d’art qu’il élit le Musée Imaginaire apporte, sinon l’éternité que leur demandaient les sculpteurs de Sumer ou de Babylone, sinon l’immortalité que leur demandaient Phidias et Michel-Ange, du moins une énigmatique délivrance du temps. »

Enigmatique délivrance du temps… Cela même que nous éprouvons en nous enivrant des effets de notre pouvoir magique dans le Jardin de Rachel Rosalen. Sauf qu’il ne s’agit pas, ici, de réactiver seulement le principe salvateur des images d’oeuvres d’art (comme le théorise Malraux, comme l’accomplit Godard) mais de toute image, en tenant compte que, de l’époque pensée par Malraux à celle que nous vivons, nous avons changé d’ère (2). La reproduction du réel (dont les œuvres d’art font partie) et la circulation des images (du réel et donc des œuvres) sont entrées dans l’âge du Direct (direct tivi, direct internet). Ce dont Godard manifeste une conscience aiguë depuis toujours mais encore plus dans ses Histoire(s) du Cinéma : il les a tournées en vidéo, pour des chaînes de télévision, en se mettant en scène dans une posture de commandeur de l’Immédiateté, ordonnant aux citations de films, de tableaux, de livres de paraître, et de com-paraître (moins au sens judiciaire qu’orchestral), aussitôt qu’énoncées ou frappées sur un clavier leurs titres. Client sans limite des Banques de données, le JLG, même s’il vitupère à satiété Ordinateurs et Télés. Plus sereine, l’installation de Rachel Rosalen se donne comme une démonstration irrésistible de la force – vitale – de la Télévision comme d’Internet. Elle ne refait pas le Musée Imaginaire, elle nous plonge dans les arcanes de son programme : la Simultanéité. Ce ne sont pas les applications qui l’intéresse mais sa logique. Œuvre théorique donc, désarticulant les causes des prodiges de l’Image au stade actuel. En avançant un pied sur le sol du Jardin d’amour, nous pénétrons dans un logiciel. Caméra, Réel, Reproduction, Stockage, Diffusion : tous les acteurs du miracle permanent sont au rendez-vous.
Y a-t-il une caméra dans la salle ? Il y en a des centaines : autant que de visiteurs. Chaque mouvement activé sur l’un des écrans est le résultat d’un filmage dont nous sommes les auteurs. Avec nos pieds, nous ne votons pas pour tel ou tel moment d’un réel stocké, nous le fabriquons. C’est du réel qui surgit de notre action et simultanément sa mise en image. Tout se passe en Direct. Une image, normalement, tue le réel, le désigne comme passé, trépassé. Avec le Direct, ressuscite immédiatement ce qui bascule dans la mort. Le temps est aboli.

Oh temps ! L’espace devient un océan d’éternité.

Un jardin d’amour ? De « a » – plus exactement. Quel genre de fleurs sont ces « a » ?

Des fleurs de mon désir (bonjour Almodovar). La force d’attraction de ce que propose Rachel Rosalen en son Jardin d’amour ne tient pas seulement à l’efficacité de sa simulation subtile, machine à explorer le Temps Réel de nos Images : elle s’enracine au plus profond de ce qui meut nos désirs. L’image est l’objet petit a du Monde que nous voulons posséder. Pulsion sans fin recommencée de la fusion illusoire.

L’image n’est pas le Réel. Même quand ce Réel est par elle créé. Embrasser ce a c’est étreindre le néant. Expérience fondamentale de l’Etre.

Etre tenu au dessus du vide (et maintenu en vie) par le crochet du néant, cela s’appelle l’aurore pour certains, pour d’autres l’âme, l’amour, l’art, etc. La résurrection des images est la vérité de toute résurrection.

Notes
1. Méditations sur lesquelles j’ai glosé dans un article (L’art sans faute) publié parCentre Culturel Français de Turin, en 1990, à l’occasion d’une rétrospective Godard.
2. Voir mon texte Tamtam dans la cathédrale dans le n° 16 (avril 2006) de la revue MédiaMorphoses, publiée par l’INA.

They are a Ma* in the very intense and concentrated time and space that is Tokyo. The presence of our bodies and the remains of bodies resting in these spaces, transforms the place into a liminal territory, a gateway to another dimension of life. It doesn’t matter if you believe that life continues or not, but I experienced the ohaka as a place to demonstrate the love and respect for one’s ancestors.

We trace our personal histories to the memory and flesh beneath the earth. We perform the meaning of these relationships through individual and collective rituals. I choose an intimate language to communicate love: that thin and delicate line that connects our past, present, and future. “The Garden of Love” expresses the visceral and emotional spiral that weaves these distinct states of being.

This work is about the transitory nature life and its absence. Humanity’s comlmunal invention-the town- maintains this plural space in its very center, even in the extreme urban expression of Tokyo.

The garden of love is an installation about the cycle of life.
Life is short and fleeting. Living in Japan, I often noticed the cemeteries (ohaka) in the middle of the city.

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2007 _ Sérgio Motta Art and Technology Foundation Prize, São Paulo, Brazil
http://www.premiosergiomotta.org.br/

2006 _ VIDEOFORMES: MANIFESTATION INTERNATIONALE D’ART VIDÉO ET NOUVEAUX MÉDIAS, CLERMOND-FERRANT, FRANÇA
http://www.nat.fr/videoformes/FESTIVAL/2006/EXPOS/EXPOS_TOLERIE_06.html

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ceramist: KYOKO TOKUMARU
ceramic production in Tokyo: ROSALEN EXHIBITION COMMITTEE/ YOKOHAMA MUSEUM OF ART (YOKOHAMA ARTS FOUNDATION), coordenate by HIROKO SEKI and MICHIKO OGURA for TRANSLOCAL URBANITIES > LOVE POLITICS, YOKOHAMA ART MUSEUM, 2005.
co-production: VIDEOFORMES: MANIFESTATION INTERNATIONALE D’ART VIDÉO ET NOUVEAUX MÉDIAS, CLERMOND-FERRANT, FRANÇA.
special thanks: FUMIO NANJO, HIROKO SEKI.

http://www.nat.fr/videoformes/FESTIVAL/2006/EXPOS/EXPOS_TOLERIE_06.html

O espaço da instalação é de 6 X 6 X 3 metros, teto de malha branca elástica e piso coberto por uma camada de 2 cm de sal, formando um espaço completamente branco. O sal foi escolhido por suas propriedades químicas: higroscópica, conservação, desertificação das áreas que têm alta concentração de sal na terra e condução de energia. Sua propriedade higroscópica diminui a taxa de umidade no ar, gera um ambiente de diferente temperatura e altera a sinestesia e portanto a percepção do trabalho como um todo.

Este quase cubo branco reflete a luz das imagens transformando o espaço em uma caixa de luz. Os interatores estabelecem o tempo do projeto e alteram o horizonte de eventos contido no trabalho.

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2007 _ PRÊMIO DO INSTITUTO SÉRGIO MOTTA DE ARTE E TECNOLOGIA, SÃO PAULO
http://www.premiosergiomotta.org.br/

2006 _ VIDEOFORMES: MANIFESTATION INTERNATIONALE D’ART VIDÉO ET NOUVEAUX MÉDIAS, CLERMOND-FERRANT, FRANÇA
http://www.nat.fr/videoformes/FESTIVAL/2006/EXPOS/EXPOS_TOLERIE_06.html

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2005 - 2006, Tokyo, Japão/ Clermont-Ferrand, França

ceramista: KYOKO TOKUMARU
produção das cerâmicas em Tokyo: ROSALEN EXHIBITION COMMITTEE/ YOKOHAMA MUSEUM OF ART (YOKOHAMA ARTS FOUNDATION), com coordenação de HIROKO SEKI e MICHIKO OGURA por ocasião da mostra solo TRANSLOCAL URBANITIES > LOVE POLITICS, YOKOHAMA ART MUSEUM, 2005.
co-produção: VIDEOFORMES: MANIFESTATION INTERNATIONALE D’ART VIDÉO ET NOUVEAUX MÉDIAS, CLERMOND-FERRANT, FRANÇA
agradecimentos: FUMIO NANJO, HIROKO SEKI

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Amnésia é uma vídeo instalação interativa sobre o apagamento da memória e da repetição incessante de imagens de guerra, que por mais diversas que sejam, trazem-nos de volta a antigas paisagens de destruição, colocando tais eventos em uma suspensão que assombra e retorna como fantasmagoria.

Amnésia é um projeto sobre os efeitos a longo prazo dos sistemas autoritários, traumáticos, repressivos e violentas situações contemporâneas que se constroem a partir da repetição. Através de uma narrativa não-linear, esse projeto desenha uma narrativa ficcional, cheia de labirintos e loops que descrevem essa situação perversa.

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2007_ POR UM FIO, PAÇO DAS ARTES, SÃO PAULO, BRASIL

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2007, São Paulo, Brasil

interface: TEO PONCIANO
agradecimentos: ARLINDO MACHADO, DUVA E RAFAEL MARCHETTI

This construction generates through the reflection parallel layers of images on the mirrors breaking the perspective, which is based on a vanishing point. This illusion of depth through parallel lines was already present in the Japanese prints. Zerozones uses this deepness at the installation’s architecture.

The interaction is present through the use of four sensors connected to the central computer. When the sensors detect the movement of the public the PC abruptly change the looping image of an ocean to videos of cities, creating non-linear projections and a horizon of events.

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2007 _ CPFL CULTURAL SPACE, CAMPINAS, BRAZIL

2005 _ TRANSLOCAL URBANITIES > LOVE POLITICS, YOKOHAMA ART MUSEUM, JAPAN

2004 _ THE JAPAN FOUNDATION SÃO PAULO, BRAZIL

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music: WILSON SUKORSKI
editing: RACHEL ROSALEN
director programming: HENRIQUEN MINAMI
interface: BERNARDO SHEPOP, MARCELO RATTO, RACHEL ROSALEN
english translation: MARCIA VAITSMAN

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SÃO PAULO

production: FUNDAÇÃO JAPÃO
support: COVISERV, KITANI, SONY DO BRASIL
buildup: VOTUPOCA
photos: JO TAKAHASHI

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YOKOHAMA

production: ROSALEN EXHIBITION COMMITTEE/ YOKOHAMA MUSEUM OF ART (YOKOHAMA ARTS FOUNDATION),
grants: THE JAPAN FOUNDATION TOKYO, THE NOMURA CULTURAL FOUNDATION
sponsors: ASAHI BREWERIES LTD., SHISEIDO CO. LTD
in cooperation with: VARIG, ANA - ALL NIPON AIRLINES CO, MATSUSHITA ELECTRIC INDUSTRIAL CO LTD, SAN-EI TV CO, LEAD-OFF JAPAN CO
support: FUNDAÇÃO JAPÃO SÃO PAULO e EMBAIXADA DO BRASIL EM TOKYO
exhibition coordenation: HIROKO SEKI
exhibition coordenation assistent: MICHIKO OGURA
translation: SUNNY SUH
buildup: TOKYO STUDIO/ HIGURE 17-15 CAS
graphic designer: MADOKA YAMAMOTO
web design: AYAKO HAGIWARA
ceramics: KYOKO TOKUMARU
special thanks: JO TAKAHASHI, MAKIKO HARA, A-I-T, YUKO NISHIYAMA, YOICHIROU OZAWA, TORU YOSHIWAKA, TOKAO OKAMURA, SOHAKU YAMASHITA, HIRONOBU SHIOZAWA, KARA BESHER, KEISUKE OKI, HIBIKI TSUGE, MYU OBA e AGENTARS.

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CPFL

production: PAÇO DAS ARTES
project: ÁLVARO RAZUK
buildup: PAÇO DAS ARTES

Esta construção gera, através da reflexão, camadas paralelas de imagens dentro dos espelhos provocando profundidade de campo e quebrando com a perspectiva renascentista baseada em um ponto de fuga. Esta provocação da profundidade de campo através de linhas paralelas já estava presente nas gravuras japonesas. Zerozones utiliza esta profundidade na arquitetura da instalação.

A interação está presente através da utilização de quatro sensores conectados ao computador central, que ao detectar o movimento do público abruptamente muda a imagem do oceano que fica em loop para vídeos de cidades, trabalhando na não linearidade das projeções e criando um horizonte de eventos.

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2007 _ ESPAÇO CULTURAL DA CPFL, CAMPINAS, BRASIL

2005 _ TRANSLOCAL URBANITIES > LOVE POLITICS, YOKOHAMA ART MUSEUM, JAPÃO

2004 _ FUNDAÇÃO JAPÃO SÃO PAULO, BRASIL

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música: WILSON SUKORSKI
edição: RACHEL ROSALEN
programação em director: HENRIQUEN MINAMI
interface: BERNARDO SHEPOP, MARCELO RATTO, RACHEL ROSALEN

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2007 _ O GLOBAL E O LOCAL. O VIDEO E AS IMAGENS DO INSILIO – 20 YEARS OF MOVING IMAGE, ITAÚ CULTURAL INSTITUTE, SÃO PAULO, BRAZIL

2005 _ TRANSLOCAL URBANITIES > love politics , YOKOHAMA ART MUSEUM, JAPÃO

2005 _ BANCO DO BRASIL CULTURAL CENTER, SÃO PAULO, BRAZIL

2004 _ O CORPO. ENTRE O PÚBLICO E O PRIVADO, IMAGE FORUM, TOKYO, JAPAN

2004 _ RED CUBE, TOKYO, JAPAN

2004 _ A-I-T, TOKYO, JAPAN

2004 _ POLA MUSEUM ANNEX, TOKYO, JAPAN

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music: WILSON SUKORSKI and LIVIO TRAGTENBERG

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2007 _ O GLOBAL E O LOCAL. O VIDEO E AS IMAGENS DO INSILIO – 20 ANOS DE IMAGEM EM MOVIMENTO, INSTITUTO ITAÚ CULTURAL, SÃO PAULO, BRAZIL

2005 _ TRANSLOCAL URBANITIES > love politics , YOKOHAMA ART MUSEUM, JAPÃO

2005 _ CENTRO CULTURAL DO BANCO DO BRASIL, SÃO PAULO, BRAZIL

2004 _ O CORPO. ENTRE O PÚBLICO E O PRIVADO, IMAGE FORUM, TOKYO, JAPÃO

2004 _ RED CUBE, TOKYO, JAPÃO

2004 _ A-I-T, TOKYO, JAPÃO

2004 _ POLA MUSEUM ANNEX, TOKYO, JAPÃO

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música: LIVIO TRAGTENBERG e WILSON SUKORSKI

Um grande banco de imagens históricas sobre guerras de diferentes localizações geográficas, razões políticas, religiosas, étnicas, com um ponto em comum: todas sem razão ética – formam a matéria-base que vai sendo moldada através da navegação da Alice. Essa personagem, gravada em estúdio, com performance da própria artista, leva o espectador a atravessar diferentes situações destes períodos de extrapolação do mal.

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2007 _ LABOR, SÃO PAULO, BRASIL

2007 _ FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO DE RIO PRETO, SÃO JOSÉ DO RIO PRETO, BRASIL

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2007, São Paulo, Brasil

projeto, direção, pesquisa, edição, performance em estúdio e imagens ao vivo: RACHEL ROSALEN
música - improvisação livre: THOMAS ROHRER (rabeca preparada, sax barítono) e ANTONIO PANDA GIANFRATTI (percussão contemporânea)
Alice ao vivo: PATRÍCIA GORDO
fotos: GAL OPPIDO
agradecimentos: ROBERTA MAHFUZ

A so violence divinely violent raises the victim above the monotonous life in witch men carry on with their calculated lives. Cruelty can derive towards erotism, as well as, eventually the massacre of prisoners may aim cannibalism. The return to animality, the definitive oblivion of limits is unconceivable in war. Thirst for blood, delirious warriors, however, do not massacre mutually [Bataille]. But it was not in regard to one, but to all the crude and rough battles, bloody and unnecessary, given that all wars are stupid. Essay on Cruelty or Mr. Fatzer meets the Queen of Spades regards to all the stupid crude wars and rough battles, bloody and unnecessary. It begins on the unbearable that generates this violence witch is pure perversion, thirst for power and cruelty. To treat human stupidity and meanness, two characters were selected: The Queen of Spades [Lewis Caroll] and Mr. Fatzer [Bertold Brecht]. A dialog between them both can be almost a non-dialog indeed. A tension among the verbally enunciable and the horror portray in the massacres images without filters. What is this place, asks our character. It is a flesh trade, answers another one. In the logic of war, of battlefields, we bump into great misery in these times of scarcity - absolute misery deriving of poverty of spirit, to whom there is no solution. The thirst of power reigns and this fight has no winner everyone loses.

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2007 _ INTERNACIONAL THEATER FESTIVAL OF RIO PRETO, SÃO JOSÉ DO RIO PRETO, BRAZIL

2007 _ LABOR, SÃO PAULO, BRAZIL

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music [ free improvisation] : THOMAS ROHRER _ rabeca, sax and ANTONIO PANDA GIANFRATTI _ contemporary percussion
photos: GAL OPPIDO
live Alice: PATRÍCIA GORDO
thanks to ROBERTA MAHFUZ

A partir de finais dos anos 1980, algo começa a mudar na paisagem eletrônica brasileira. Eder Santos começa a se preocupar com as imagens do exterior em vídeos como Não Vou à África porque Tenho Plantão, Essa Coisa Nervosa e Enredando a la Gente, enquanto Sandra Kogut, em Parabolic People, nos faz tomar consciência de um planeta que se tornou globalizado e de uma humanidade cujas relações se internacionalizaram. De repente, o Brasil não era mais um país isolado e seus problemas não se resolviam apenas em escala nacional.

A partir da generalização dos processos de mestiçagem e hibridismo, a partir também dos deslocamentos e migrações em escala mundial no final do século XX, o global e o local se entrecruzam, as fronteiras são perfuradas e, de repente, nos damos conta de que o Iraque (ou o Haiti) é aqui. A Internet é a expressão mais acabada dessa mutação: nela estamos em casa tanto com o vizinho da frente como com o estrangeiro distante. Muitos videoartistas brasileiros passam a morar no exterior, de forma definitiva ou temporária, ou passam a se interessar por outros povos, outras culturas, outras realidades. O vídeo brasileiro começa então a falar outras línguas, generalizam-se os títulos em inglês, voltamos a deglutir antropofagicamente tudo o que supúnhamos ser estrangeiro. Os rostos que povoam as nossas telas eletrônicas pertencem agora a todas as raças.

O próprio conceito de estrangeiro mudou. Antes, a estrangeirice era pensada em termos apenas territoriais, com base na oposição binária entre o próprio e o distante. Agora, viramos todos estrangeiros, dentro ou fora do país. Surge aquilo que Nestor Canclini denomina o estrangeiro nativo, o que está deslocado, por sua diferença, em seu próprio país. No lugar do exílio, o insílio, o exilado interno, desclassificado como cidadão, trabalhador sem contrato e sem licença, menor abandonado, pirata, traficante. Num mesmo lugar, há bairros onde se fala árabe, espanhol, ou coreano, há também bairros onde não se pode entrar sem uma espécie de “visto” dos grupos dominantes, as pessoas usam roupas diferentes das nossas, as praias são apropriadas por gente de fora. Surgem inclusive as línguas crioulas: portunhol, spanglish. Viramos todos nômades, imigrantes, forasteiros, foragidos, transculturais, transsexuais, seres híbridos, sem identidade ou com demasiadas identidades.

O vídeo e as artes plásticas talvez tenham sido as formas artísticas mais sensíveis a esses deslocamentos, se considerarmos que outras formas de cultura, como o cinema e a literatura, ainda continuam fortemente ancorados na temática nacional. A mostra visa colocar em confronto o que de mais consistente foi realizado no âmbito do vídeo nos últimos vinte anos dentro desse movimento de interpenetração do global com o local e na perspectiva de uma internacionalização radical. Ela propõe uma discussão inovadora sobre o que marca a saída do século XX e a entrada no século XXI em termos humanos, sociais e artísticos.

The limit is in between the desire and the action. Otaku. The cut comes through the words and not from the knife. The violence that inhabits the draw does not disappear on the final cut.

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2007 _ PLATAFORMA CENTRO MEC, CONCENTRADO VIDEO: TRANSICIONES DIGITALES, MONTEVIDEO, URUGUAY

2005 _ TRANSLOCAL URBANITIES > love politics , YOKOHAMA ART MUSEUM, JAPÃO

2006 _ PALAZZIO NUOVO, NAPLES, ITALY

2005 _ BANCO DO BRASIL CULTURAL CENTER, SÃO PAULO, BRAZIL

2004 _ BODY & POLITICS, IMAGE FORUM, TOKYO, JAPAN
http://www.imageforum.co.jp/cinematheque/854/index.html

2004 _ A-I-T, TOKYO, JAPAN

2004 _ OPTICALDESIRES-EROPTICALPASSINGS, JAPAN FOUNDATION, SÃO PAULO, BRAZIL

2004 _ RED CUBE, TOKYO, JAPAN

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performance: YOICHIROU OZAWA and RACHEL ROSALEN

É possível traçar uma linha entre os Ukiyo-ê (xilogravuras – traduzidas do japonês usualmente como imagens de um mundo flutuante) e as Shungas (que são as xilogravuras eróticas) com as personagens de mangá (quadrinhos japoneses) e animê (desenhos animados, muitas vezes com a estética dos mangás). Assim como os antigos quarteirões vermelhos são visivelmente recriados nos games e os suicídios podem ser agendados via internet em sites criados especialmente para este fim. A pós-modernidade se mostra sinônimo de simulação e hyper-realidade e a história linear passa a ser substituída e disponibilizada em um jogo aberto e interminável de combinatórias planas.

OTAKU não faz uso de imagens da rede, mas trabalha com algumas situações inspiradas neste universo simuladas em uma performance para a câmera.

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2007 _ PLATAFORMA CENTRO MEC, CONCENTRADO VIDEO: TRANSICIONES DIGITALES, MONTEVIDEO, URUGUAI

2006 _ ARCHIMEDIA, FRAME AND MUTATIONS, PALÁCIO NOVO, NÁPOLES, ITALIA

2005 _ CENTRO CULTURAL DO BANCO DO BRASIL, SÃO PAULO, BRASIL

2005 _ TRANSLOCAL URBANITIES > love politics , YOKOHAMA ART MUSEUM, JAPÃO

2004 _ BODY & POLITICS, IMAGE FORUM, TOKYO, JAPÃO
http://http://www.imageforum.co.jp/cinematheque/854/index.html

2004 _ A-I-T, TOKYO

2004 _ OPTICALDESIRES-EROPTICALPASSINGS, FUNDAÇÃO JAPÃO, SÃO PAULO, BRASIL

2004 _ RED CUBE, TOKYO, JAPÃO

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2004, Tokyo, Japão
3:11 minutos

performance: YOICHIRO OZAWA e RACHEL ROSALEN

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2007 _ CCE/ CENTRO CULTURAL DE ESPANHA, CÓRDOBA, ARGENTINA

2006 _ PLATAFORMA 06 – PUEBLA, PUEBLA, MÉXICO

2006 _ TOMIE OHTAKE INSTITUTE, SÃO PAULO, BRAZIL

2006 _ CCE/ CENTRO CULTURAL DE ESPANHA, MONTEVIDEO, URUGUAY

2006 _ BELEM MUSEUM OF ART, BELEM, BRAZIL

2005 _ TRANSLOCAL URBANITIES > love politics , YOKOHAMA ART MUSEUM, JAPÃO

2005 _ BANCO DO BRASIL CULTURAL CENTER, SÃO PAULO, BRAZIL

2004 _ RED CUBE, TOKYO, JAPAN

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music: WILSON SUKORSKI + AKIYOSHIDAI TAIKO ORCHESTRA

レッド・ドリームス　RED DREAMS●「不思議の国のアリス」を反対にした筋書きで、溢れる女性の枠を赤で表現、自分自身のラビリンスを再現する。

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2007 _ CCE/ CENTRO CULTURAL DE ESPANHA, CÓRDOBA, ARGENTINA

2006 _ PLATAFORMA 06 – PUEBLA, PUEBLA, MÉXICO

2006 _ TOMIE OHTAKE INSTITUTE, SÃO PAULO, BRAZIL

2006 _ CCE/ CENTRO CULTURAL DE ESPANHA, MONTEVIDEO, URUGUAY

2006 _ BELEM MUSEUM OF ART, BELEM, BRAZIL

2005 _ TRANSLOCAL URBANITIES > love politics , YOKOHAMA ART MUSEUM, JAPÃO

2005 _ BANCO DO BRASIL CULTURAL CENTER, SÃO PAULO, BRAZIL

2004 _ RED CUBE, TOKYO, JAPAN

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2004, Tokyo, Japão
6:06 minutos

música: WILSON SUKORSKI e ORQUESTRA DE TAIKOS DE AKIYOSHIDAI

Trata da destruição da memória preservada nos livros e da produção cultural que estas publicações representam  como patrimônio da humanidade. Independente do tempo e do lugar onde estas destruições ocorreram, o que aterroriza é o fato de que essa tentativa de apagamento da memória se configura em uma ação recorrente na história da Humanidade. Todos os regimes totalitários pressupõem, para a realização de seu projeto, a negação do Outro, ou seja, do diferente; negação esta que se faz – em algumas instâncias - através da destruição simbólica do saber e da perpetuação deste ato. Isso posto, a queima de livros continentes de tal saber ter sido uma prática comum aos regimes autoritários, fascistas na sua essência

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2007_ SP-ARTE, GALERIA OESTE, SÃO PAULO, BRASIL

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2007, Basel, Suíça/ São Paulo, Brasil

texto: BERTOLT BRECHT  [trechos de O declínio do Egoísta Johann Fatzer]
gravação no estúdio da WARTECK PP, BASEL, SUÍÇA
agradecimentos: MARTINA SIEGWOLF
fotografia do objeto: GIACOMO FAVRETTO

“A crueldade é uma das formas da violência organizada. Ela não é forçosamente erótica, mas ela pode derivar em direção a outras formas da violência que a transgressão organiza. Como a crueldade, o erotismo é pensado. A crueldade e o erotismo se organizam no espírito que a resolução de ir além dos limites da interdição possui. Essa resolução não é geral, mas é sempre possível que ela se desloque de um campo para outro: trata-se de campos vizinhos fundados um e outro sobre a embriaguez de escapar do poder da interdição”( Bataille)

Cru deriva do verbo latino crudo que significa aquilo que não está cozido e é incipiente. Designa a carne escorchada e ensangüentada; a coisa mesma privada de seus ornamentos ou acompanhamentos ordinários, como a pele, reduzida ao sangrento e ao indigesto.

A pergunta da Documenta “O que é a vida Crua ?” com certeza nos remete ao tema da crueldade, a esta parte maldita da realidade: indigesta e ordinária. Bataille, na linha de Nietzsche, afirma que a verdadeira medida do Homem é dada nos atos mais cruéis. A precariedade do humano, sua parte maldita, consiste exatamente em uma subjetivação trágica que se dá a ver nas crueldades dos rituais e em seus gestos de destruição sem limites.

A produção cultural referente a essas lembranças assume muitas vezes uma configuração melancólica, indicando que as perdas não foram superadas. É dentro muitas vezes desta estética do trauma, em diálogo com Bataille, que podemos situar as produções da artista brasileira Rachel Rosalen. Suas obras transitam neste vácuo, neste espaço que dialoga com a morte, com a fragmentação de um homem pleno.

Suas produções são como signos alegóricos, no sentido de que nos fala Benjamin: narram a história de um homem perdido, decapitado, de um homem que se perde na barbárie do mundo capitalista, e que, perdido em sua ganância pelo poder, rompe com os laços mais profundos de amor e sociabilidade. Apesar do tema da crueldade ficar mais evidente nos últimos trabalhos da artista tal como em ENSAIO SOBRE A CRUELDADE OU O ENCONTRO DO SR. FATZER COM A RAINHA DE COPAS (live com música de Wilson Sukorski e Paula Pretta), #07 ensaios sobre a crueldade (instalação, trabalho inédito no Brasil a ser exposto no Paço das Artes em 2008) e BLACK RAIN # anti-war project (video instalação interativa exposta no Instituto Tomie Ohtake em 2005) que colocam em cena o horror e a tragicidade da guerra, a vida crua contamina outros trabalhos da artista: falam sobre a dissolução das formas constituídas, do corpo erotizado, da resolução de ir além dos limites.

Corpos em trânsito

Diz um mito grego, que no início dos tempos, a espécie humana era formada por três gêneros: o macho, a fêmea e o andrógino, um ser perfeito que partilhava das características dos dois primeiros. Dotados de uma terrível força e resistência e de uma forma inteira e globular com membros e órgãos duplicados, estes seres começaram a conspirar contra os deuses. A solução encontrada por Zeus foi o de dividí-los ao meio, retirando-lhes a sua antiga forma, o que levou cada metade, com saudades de sua totalidade perdida, não mais aspirasse do que fundir-se em um único ser. Tal como descrito no Banquete de Platão esta parece ser a origem mítica de Eros: este movimento de busca incessante que se associa à nostalgia de uma continuidade perdida; puro desejo de algo que falta e lhe escapa. “Esse ente, como qualquer outro que deseja, deseja o que não esta à mão nem consigo, o que não tem, o que não é ele próprio e o de que é carente” diz Sócrates no Banquete.
É dentro desta perspectiva, desta busca incessante que se associa à uma nostalgia da totalidade perdida deste Outro que lhe escapa, que se desenha a narrativa poética dos trabalhos de Rachel Rosalen. Suas obras, que se manifestam na forma de vídeos, vídeoinstalações e de outros processos criativos, buscam explorar, através dos recursos de linguagem oferecidos pelos dispositivos midiáticos, a temática do corpo. Seu percurso criativo, desde os primeiros trabalhos no início dos anos 2000 até os mais recentes desenvolvidos quando de sua estadia no Japão, tais como Diários Japoneses, Tokyo In, Otaku e Red Dreams são marcados pela poética do corpo erotizado em sua mais plena totalidade. Através de imagens, formas ondulantes e fluídas, superposições, cortes rápidos e secos mesclados por recursos sonoros e textuais, constrói-se uma linguagem híbrida que coloca em jogo a temática do corpo: o corpo da falta, o corpo que busca esta totalidade perdida, o corpo pulsante que transborda de desejo, que respira e que aspira, próximo ao limite da loucura, da paixão e do excesso, este Outro que lhe escapa.

É deste corpo que se fala em Fluorescências, em no_places e em (IM)MORTALITÁ. Subversivos e inquietantes estes trabalhos colocam em cena uma estética metropolitana que desmaterializa o território urbano em ruínas pós-modernas. Aqui é a cidade, marcada por seus altos e imensos edifícios e monumentos arquitetônicos, que serve como receptáculo para o corpo erotizado. Aqui a cidade contemporânea se apresenta como um território fluído e mutante que dá vida a uma geografia instável colocando em cena corpos imagéticos que copulam em out doors publicitários.

Este corpo erotizado também está em Roses, Tokyo In, Matsu, Raasar, Otaku e nos Diários Japoneses. Mas aqui o corpo da artista, da mulher-artista, entra em cena. Vestida algumas vezes com um tecido vermelho, mas muitas vezes despida de qualquer manto, seu corpo entra em cena com a sua própria nudez. Exilado do mundo e de si mesmo, este corpo “em estado de sítio”, este corpo estrangeiro, apresenta-se, nestes trabalhos, em sua mais íntima essência conduzindo-nos ao canto de uma aventura exótica que mistura a cultura oriental à ocidental. Entre a espada do sacrifício mortuário e a colher perfurada ao meio, que metaforiza aquilo que nos escapa, somos convidados a mergullhar em searas que revelam muitas vezes momentos de um profundo silêncio; o momento da plenitude erótica, o momento da morte, do gozo e da renovação.

Nos vídeos de Rachel Rosalen encontra-se a possibilidade de vivenciar as questões que dizem respeito às condições mais íntimas do sujeito na contemporaneidade. Para isto a artista cria estratégias poéticas que, muitas vezes, rompem com a linearidade narrativa nos oferecendo espaços múltiplos e fragmentários. Como uma espécie de recurso metodológico, Rosalen, muitas vezes, retoma dentro de um outro contexto uma mesma imagem colocando em cena o seu percurso criativo. Postula, assim, uma relação de continuidade de pensamento entre os seus diversos trabalhos ou melhor, da idéia do tempo como repetição. É desta forma que encontramos a imagem da colher perfurada ao meio, que retorna em Red Dreams, Tokyo In e em Otaku ( Desert Sutra); é desta forma que encontramos as imagens dos corpos que copulam em Fluorescências e em (IM)MORTALITÀ. Muitas vezes agressivos e inquietantes e acompanhados pelo ritmo frenético e enlouquecido do mundo contemporâneo e outras vezes de uma suavidade estonteante que evoca um profundo silêncio, constrói-se a poética criativa de Rachel Rosalen .

Ensaios anti – guerra

Mais recentemente este profundo silêncio revela-se, como uma espécie de ‘grito abafado’ nos ensaios anti-guerra da artista. Em Corpus Urbanos, Black Rain e #07 ENSAIOS SOBRE A CRUELDADE Rosalen nos convida a imergir em trabalhos da história como trauma - para seguir o conceito de Márcio Seligmann-Silva.

Em “black rain # an anti-war project” encontra-se a possibilidade de vivenciar as questões que dizem respeitos às atrocidades da guerra. Entre o corpo derretido e a cidade em chamas, entre o silêncio e o vermelho do kimono do atores, entre os corpos destroçados e os olhares aterrorizados das crianças, somos convidados a refletir sobre os conceitos que ainda nos restam de humanidade.

É sobre esta crueldade que nos fala, também, os #07 ENSAIOS de Rachel Rosalen. Aliando cenas de estúdio com cenas da realidade cotidiana, Rosalen nos mostra uma Alice que enlouquece, uma Alice que, desprovida de sentido e lógica, vítima e cúmplice ao mesmo tempo, dilacera-se nos cenários da barbárie humana.

http://www.canalcontemporaneo.art.br/documenta12magazines/archives/001069.php

Priscila Arantes

Cruelty is one form of organized violence. It is not necessarily erotic, but may flow into other forms of violence that transgression organizes. Like cruelty, eroticism is deliberate. Cruelty and eroticism are organized in the spirit of the determination to go beyond the limits of interdiction.This determination is not general, but can always shift from one field for other: it is a matter of neighboring fields cast one over another on the euphoria of escaping from the power of interdiction” (Bataille)Crude is derived from the Latin crudo, meaning not cooked but incipient, and designates charred but bloody meat; the latter stripped of its ordinary ornaments or accompaniments such as skin, and reduced to something bloody and indigestible. Documenta’s question “what is bare life?” surely relates to the theme of cruelty, this execrable, indigestible and banal part of real life. Bataille, after Nietzche, says that the real measure of Man is seen in the cruelest of actions.

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